G a b a d a n z a

La danza que juega.

2012-01-16T13:06:00.000-08:00

Existen espacios sencillos para la creación. Situación que nos vuelve a todos creadores en movimiento.

Tanto la danza como el juego son un movimiento orgánico, propuesta de un estímulo-reacción. Y hoy cuando estamos, cada vez más, alienados y faltos de libertades para la construcción, es que el juego se nos presenta como un principio de creatividad que permite el desarrollo de las personas. Una instancia para que la imaginación se haga presente, un espacio en donde nos volvemos pequeños seres que gozan de las utilidades más mísero-maravillosas de la vida.

El juego resulta ser una “metodología” implementada por todos los docentes, creadores e intérpretes de la danza, ya que es el espacio en que de manera lúdica, abstracta o no, emplea lo necesario para poder crear. Dentro de esta forma de guiar los procesos está la “improvisación”, la que nos entrega ese instante dinámico, participativo, cognitivo, creador.

Ese espacio de dispersión favorece entregando resultados en las disposiciones espaciales, diversidad temporal, variación kinética, y desarrollo narrativo entre otros. Entonces, sí, el juego entrega esa riqueza a la composición instantánea, a lo que queda, a lo que se fija y a lo que nutre el proceso.

El juego llena más que el espacio.

A los adultos, el juego nos comunica con los pares, pero más allá de esto, nos entrelaza con los más pequeños, nos hace volver a un espacio de diálogo en que no se debe disponer más que del hacer, el ánimo y el desafío mínimo de crear. Nos llena de nostalgia, de recuerdos, de simpleza.

A los padres los ayuda a hablar el lenguaje de sus hijos, a los niños les entrega la expresividad y la creatividad necesaria para entender el mundo, las relaciones… y a los jóvenes también los llena de esa riqueza.

Cuántas veces nos hemos preguntado cuando dejamos de crear, de interactuar, de manifestarnos sin la necesidad de un verbo-palabra. Cuántas veces nos damos el espacio para entrar al contacto piel a piel, a ser mediados por una pelota, un cordel, o una simple palabra que tome valor en medio de una dinámica, cuántas veces hemos sentido que somos pequeños seres que danzan en el universo desde un aspecto tan básico y que pone en el clímax todos nuestros sentidos.

En Septiembre Matucana100 ha presentado CREO FALSO, una obra de danza creada por Ana Carvajal, en la cual el juego es el elemento básico para la interacción entre los intérpretes, entre el espectador-intérpretes y entre la obra y su creadora. Obra que se basa en las experiencias propias del juego y el azar.

CREO FALSO es una obra muy sencilla, llena de amabilidad para la relación espectador-obra y en ausencia de aquellos tecnicismos a los cuales, nos acostumbra la danza desde los virtuosismos. Y es, sin duda, el resultado que nos entrega el juego en una disposición espacio-temporal. El espacio en que nos podemos conmover, relacionar e identificar.

La danza desde un principio tiene sentido ritual, ceremonial, y desde ahí, también, podemos encontrarla en el espacio del juego. Un rito para los niños del cual nosotros, los adultos, también nos hacemos participes de vez en cuando. El cual, a modo personal, me parece, debería ser un punto de encuentro-comunión que no deberíamos abandonar jamás, ya que estimula la creatividad.

“Si ocurre un suceso humano a través del movimiento, eso es danza”. Patricio Bunster.

En enero, Creo Falso también se hace participe del festival Santiago a mil.

"El cuestionamiento hacia el cuerpo" por Pamela Lagos

2012-01-04T20:03:00.000-08:00

En un nuevo espacio adaptado para sala de danza, ubicado en Merced #80, tuvo una temporada la pieza “Focus Group: Queremos Ser Actuales”, desde el 25 de noviembre al 4 de diciembre. Esta obra se instala en problemáticas contemporáneas sobre la actualidad y lo vigente, situando al cuerpo como materia y la visión de cómo está siendo tratado en la escena actual, buscando indagar en un grupo específico lo común vuelto elemento escénico.

Guillermo Becar Ayala es licenciado en danza de la Universidad Academia de Humanismo Cristiano. Establece su desarrollo en danza como intérprete, profesor y coreógrafo; se ha desempeñado como intérprete con diversos coreógrafos nacionales, es profesor y coreógrafo del Ballet Folclórico de Puente Alto, dependiente del departamento de cultura de esa comuna, donde está a cargo de la formación en técnica moderna y contemporánea de los integrantes del elenco y su academia. En sus creaciones nos encontramos con: “Contigo”, “Pecados Absueltos”, “Lo que tú me das”, “Te siento”, “F”, “ANDREA”, “Tacos en La Avenida: p5t1s”, “Tacos en La Avenida: él”, “MEMOria”, “Cantata Puente Alto”, “ALAS” y “Celebreichon”. Actualmente está dirigiendo su trabajo a la acción en danza, volcando la poética en lo concreto y minimalista, situando sus trabajos en la investigación de aquellos encuentros sociales ya definidos en los cuales la danza puede o no estar presente, como por ejemplo: celebraciones, focus group, velorios, etc.

Desde este punto de vista es interesante lo que nos plantea Becar en su obra porque basándose en los cuestionamientos hacia la danza que muchísimos teóricos, docentes, coreógrafos y bailarines se realizan compone Focus Group: Queremos Ser Actuales”, exponiendo en una hora la crisis contemporánea respecto a la danza en una propuesta que entretiene bastante pero a la vez es una ironía cruda, sin tapujos, sobre qué es lo actual.

Apelando a la insuficiencia de espacios para la danza se elige para mostrar esta pieza coreográfica una sala de danza ubicada en el subterráneo de un minimarket del barrio Bellavista. Es un lugar pequeño adaptado para realizar las funciones y un grupo limitado de personas vea la obra. Reconociendo en este hecho quizás lo hermético de la danza, la exclusión de la masa social, de cierta manera se apunta al “focus group”, una técnica de estudio de las ciencias sociales conocida como grupo de discusión o sesiones de un grupo de 6 o 12 personas, donde se indaga en las actitudes y reacciones de un grupo social específico, en este caso la danza en Chile frente a un asunto social y político.

La sala nos induce a reconocer el esfuerzo de la danza emergente y su autogestión, donde quienes no tienen cabida en las instituciones y teatros por la gran competencia y falta de espacios, rescatan diversos lugares para presentar sus obras contribuyendo al arte social y crítico en este país.

Es así como al ingresar al subterráneo de este minimarket, los espectadores se encuentran con una sala incipiente de danza que presenta una completa instalación para dar la función, al bajar la escalera se nos da un piso para sentarse y un grupo de alrededor de 10 o 12 personas se sienta frente al gran espejo de la sala mientras una de las bailarinas danza incesantemente; los espectadores expresan una cierta incomodidad frente al espejo o especie de narcisismo social, es difícil enfrentar el rostro y no cuestionarse. El cuerpo del espectador también entra en un rol protagónico dentro de la escena, está visible en todo momento. Pero este hecho también alude ejemplos de la pintura pre- renacentista en las cuales se representa una escena cotidiana y cuyo centro de atención es el espejo que se encuentra detrás de los protagonistas que nos devuelve la imagen de ellos y de nosotros mismos.
La primera escena parte con las bailarinas mencionando sus nombres e introduciéndonos al “Focus Group Queremos Ser Actuales”. Se asume entonces que no veremos personajes sino a Andrea Zuloaga y Diana Carvajal en escena, quienes comienzan simulando una pasarela con sus cuerpos modelando frente a nosotros en ropa interior y vestido corto en colores calipso y violeta respectivamente, utilizando también encima unos abrigos plásticos transparentes. Se nos expone la belleza femenina, colocando en cuestionamiento el cuerpo, qué y a quién preferimos ver de las dos intérpretes, aparece el cuerpo-objeto, aquel que existe a través de otro. La historia tradicional del arte no es sólo una historia visual, sino de representación, hasta la identidad del cuerpo-otro. Este es el punto en el que se encuentran imagen y cuerpo. El cuerpo-otro es el cuerpo en la imagen, el que hoy en día está consuetudinariamente tolerado en lo plástico, artificial, en la explotación del cuerpo objeto de la mujer en los medios publicitarios y televisivos.

La escena se rompe cuando las intérpretes empiezan a describir las imperfecciones de sus propios cuerpos; el cuerpo modelo y de belleza perfecta se nos fisura para ser develado en su naturalidad, expresando que es chico, espalda ancha, contiene estrías, celulitis, rollos, espinillas, puntos negros, etc. Pareciera que el cuerpo ideal funciona por estereotipos sociales impuestos en cánones de belleza de la cultura griega que no pertenecen a la nuestra y se sustentan en algo inverosímil.

Las intérpretes realizan un fraseo contemporáneo cuyo dibujo espacial es un cuadrado, situándonos en un marco de la visión de la danza, al finalizarlo toman Coca-Cola mientras realizan pasos de técnica académica eructando y luego ofrecen bebidas al público para que eructe junto con ellas. El cuerpo entra en otra problemática, esta vez hacia la danza y su técnica, ejecutándola a pie descalzo y eructando. Se critica la represión del ballet, esta danza que no respira, que no transpira, que no es cotidiana ni natural y no tiene ningún sonido bucal. El cuerpo al eructar se coloca grotesco y deja totalmente de ser femenino, rompe totalmente con la estética académica de representar algo sublime y eminente.

La “Coca-Cola” nos puede representar un consumo masificado mundialmente, unido al cuerpo simboliza que el concepto de belleza va pasando por diferentes etapas hasta llegar a nuestros días en que el consumismo y los medios de comunicación de masas hacen este concepto continuamente cambiante y globalizado.

Al usar en la obra la bebida Coca-Cola podemos recordar a Andy Warhol, artista Pop Art, quien durante los años ’60 pintaba este producto en serie por ser un símbolo cultural estadounidense, presente en los medios de masas, periódicos y carteles.
Pareciera que Guillermo Becar, basándose en problemáticas con respecto al arte y a la danza, representa sucesos en la obra que marcan hitos que han dado un vuelco en la visión artística. Es así como después las intérpretes recorren una serie de bailes que nos representan una ironía de los que vemos en la televisión chilena concretando una frase de Warhol: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos".

En esta escena la danza se nos contextualiza en Chile, vemos lo que a la masa le entretiene, el cuerpo expuesto burdamente en los medios televisivos, una serie de movimientos que pasan por modelos de televisión y bailes de espectáculo expuestos en concursos y reality shows.

Cuando una intérprete come grotescamente spaguetti, nos presenta varias lecturas a interpretar; la imagen del Coca Mendoza comiendo de la misma manera en un reality; como también el hecho de comer apuntado a la danza nos provoca una ruptura, puesto que jamás se nos pasaría por la mente que los bailarines comen durante una escena; lo dispuesto cuestiona el cuerpo del bailarín al estar la otra bailarina anhelando comer esos tallarines y ver cómo los disfruta quien los come; se nos insinúa entonces los problemas de alimentación que existen en los bailarines por resguardar la figura.

La escena se quiebra al entrar las bailarinas a cantar y bailar “yo tengo un tallarín” e invitan al público a realizarlo con ellas, el cuadro se vuelve lúdico y pareciera que los espectadores disfrutan el recordar este juego de infancia y bailarlo en escena sumando más público hasta que las intérpretes caen al piso y aguantan la respiración. Toda la atención de la obra recae, no tanto en los personajes sino en los espectadores de esta, nos vemos de nuevo reflejados en el espejo pero esta vez moviéndonos y no hay manera de escapar de la mirada del otro.

La obra se vuelve sensitiva al levantarse las intérpretes y bailar incesantemente un fraseo contemporáneo acorde con la música que se va acelerando, notamos el cuerpo vivo, vemos dos cuerpos verdaderos, que transpiran, se les agita la respiración, se cansan y pese a eso se mueven sin dificultad hasta volver a recordar las imperfecciones de sus cuerpos, las manchas, las estrías, la celulitis, los defectos, etc. El cuerpo se torna ordinario y cotidiano para volver a decirnos al público que se tratan de Andrea Zuloaga y Diana Carvajal en esto es Focus Group Queremos ser Actuales.

Esta propuesta contemporánea analiza varios sucesos de lo que acontece hoy en día no solo en la danza, también en nuestra sociedad chilena, se nos instala un Focus Group sobre una lógica de narcisismo colectivo que para Fromm es una consecuencia lógica del narcisismo individual, donde el individuo catectiza los objetos de su alrededor, a los otros, al grupo con el que se identifica y así sus relaciones no son completamente con lo de afuera sino es lo de afuera investido de su propia energía, es decir se relaciona con los otros como con sí mismo.

La escenografía nos sitúa en una especie de departamento contemporáneo con asientos plateados, mucho plástico, comida rápida que sale del microondas y a la vez el espejo que nos habla sobre la danza, la vitrina, la exposición del cuerpo.

Es un acierto de Becar que su equipo de trabajo sean las bailarinas Andrea Zuloaga y Diana Carvajal, quienes realizan un excelente trabajo interpretativo acorde a todo lo que sucede en la obra, realizando diversos roles como cantar y bailar dominando diversos estilos como la técnica clásica, moderna, contemporánea, hip hop, flamenco y danza espectáculo. Su diseñadora integral, Catalina Espinoza, quien además practica ballet clásico, potencia este trabajo gracias al acercamiento que tiene con esta disciplina, realizando una hallada fusión entre el diseño y la danza, ya que cada escena resalta sensitivamente su significado. Podemos notar que la puesta en escena se conjuga afinadamente dentro de lo que pretende exponer.

El movimiento y expresión que se utiliza en la obra va cuestionando la forma y la imagen del cuerpo que se ha hecho presente a lo largo de la historia, la iluminación nos ayuda a notar este aspecto con luces más preponderantes cuando se trata de instalar el cuerpo en un artificio de televisión o pasarela de modelos, y más tenue para recordarnos una escena impresionista en tonalidades más sutiles y colores que nos traducen los tonos pasteles.

La música utilizada para la pieza se relaciona con el cuerpo, el movimiento y la propuesta, varía entre Sonata "La Follia" de Vivaldi, "Far Far" de M.I.A y "Follow me" de Quem Que Caguetou. Las bailarinas se relacionan con la música siempre acorde a ésta o en absoluto silencio.

Las escenas acontecen según un hilo conductor que recorre varias etapas del arte, la danza y nuestra sociedad, muchas veces para ironizarlo con el fin de encauzar una intención que va más allá del significado más simple o evidente de las palabras o acciones. Se utiliza el método de Brecht para provocar el distanciamiento del elemento anecdótico.

La obra pretende concienciar al espectador y hacerlo pensar críticamente en la sociedad con respecto a lo que ocurre cotidianamente en los medios masivos y de consumismo. Abordando esta problemática desde la danza la obra replantea y cuestiona la visión estética de esta disciplina frente a símbolos y sucesos que han marcado sus ejes temáticos.

"Focus Group: queremos ser actuales"

2011-11-18T15:43:00.000-08:00

“Focus Group: queremos ser actuales” sitúa al cuerpo como materia y la visión de cómo está siendo tratado en la escena actual. Entrega el espacio para que lo natural entre al artificio y el cuerpo deje fluir sus más orgánicas expresiones, incluyendo el azar y acciones cotidianas, las cuales marcan ejes estéticos e identificables en el común denominador de la danza.

Se instala esta obra en problemáticas contemporáneas sobre la actualidad y lo vigente, posicionando como referentes lo que otros jóvenes creadores han dispuesto en sus obras y teóricos han planteado al respecto.

“Focus Group: queremos ser actuales” busca indagar en un grupo específico lo ordinario vuelto elemento escénico.

Dirección: Guillermo Becar A./ Intérpretes: Diana Carvajal - Andrea Zuloaga/ Diseño & Iluminación: Catalina Espinoza/ Fotografía: Fabian Cambero/ Asistente producción: Pamela Lagos

Funciones: 25, 26, 27 Noviembre 3 y 4 Diciembre/ Viernes y Sábado 21:00 h Domingo 20:00 h
General $3000 Estudiantes $2000
Merced 80/ Metro Baquedano/ Reservas gmobecarq@gmail.com

2011-10-14T20:44:00.000-07:00

TRIPLE-PACK PRODUCCIONES Y ESPACIO ARTE NIMIKU

presentan:

TRIPLE-PACK llI Recargado

(Tercer Ciclo de Danza Nuevos Creadores)

Viernes 21, Sábado 22 y Domingo 23 de Octubre

A las 20:30 hrs en Espacio Arte nimiku

Crescente Errázuriz 346, metro Irarrázaval, Ñuñoa

Entrada general: $3mil /Estudiantes, tercera edad y comunidad de la danza: $2mil

PROGRAMA

1.- "ELECTRÓLISIS"
Kevin Magne

2.- "VIDEO CUERPO LA FIESTA"
Francisco Bagnara

3.-"FOCUS GROUP: QUEREMOS SER ACTUALES"
Guillermo Becar

BONUS TRACK

"EL PINGUINO" UN SOLO DE GONZALO VENEGAS

"EL ORDEN DE LOS FACTORES" DE NATALIA SABAT

Que no se la cuenten!... los esperamos

TRIPLE-PACK
producciones
Pamela Lagos, Alvaro González, Panchito Paco López, Sebastián Ruiz.

"Le Sacre du Printemps"

2011-10-07T21:49:00.000-07:00

"Le Sacre du Printemps"

A n g e l i n P r e l j o j a c - int: N a g i s a S h i r a i

http://www.youtube.com/watch?v=zfAaoLJuGyY&feature=related

P i n a B a u s c h - int: M a l o u A i r a u d o

http://www.youtube.com/watch?v=aSBpQcu61tg

P a t r i c i o B u n s t e r

http://www.youtube.com/watch?v=vZqfTRogk08

.

2011-09-30T11:36:00.000-07:00

"Focus Group: queremos ser actuales"

J U G A N D O e n P . B U S T A M A N T E

2011-09-13T21:19:00.000-07:00

http://vimeo.com/26458618

Out of Context, Alain Platel.

2011-09-10T08:59:00.000-07:00

ese mundo en la escena, en el que uno se ve reflejado, en el que haces que tus sentidos recobren el valor fundamental para entrar en la estética justa y mínima que el arte requiere de uno como espectador.

ese espacio en el que estás como espectador de la obra, te sientes parte y quiere estar inserto en ella, entrar a la escena.

Ahí es, cuando uno reafirma, que en el Ballet el asunto es aplaudir el virtuosismo y en la Danza contemporánea es las ganas de ser parte DE.

2011-07-27T17:31:00.000-07:00

La muerte tiene subtítulo

La esperanza se apoderó de él…

Guillermo André Becar Ayala

Memoria interpretación

La muerte danza de la mano de la esperanza…

A continuación expreso mi memoria en cuanto a mi vida y la vinculación con la danza, dimensionada desde aquellas experiencias significativas que aportan a mi desarrollo como intérprete y profesional.

Transitar queriendo encontrar algo en medio del todo, que otorgue sentido, da riqueza al trabajo que me he dirigido en la vida, y en medio de él, hoy moldeo mi memoria de interpretación en danza, porque ha sido esa la función hasta ahora, interpretar lo vivido desde diversos puntos.

Tanto tiempo recorriendo caminos que fundase en la vida, de los cuales construí, destruí y reconstruí, dotándome con cada gota de sabiduría que las experiencias me pudieran otorgar.

Ahora vuelco aquí el encontrarme con un tema para narrar mi memoria, dado en aquella búsqueda del si, del reconocer como valioso algún aprendizaje y/o significativo algún ciclo en la cadena de procesos, esos que se han situados en mi periodo de intérprete dentro de la carrera universitaria o en el andar por la danza desde mis 13 años.

T r a n s i c i ó n quise llamar a este proceso de la vida que algunos no buscamos pero que llega, y se presta para grandes edificaciones en los territorios emocionales que compartimos con los demás; claro, por que uno no está solo, y en cierta medida lo que vive es para compartirlo con los demás, para acompañarse en tiempos de crecimiento. Pero éste, el tema que encontré, aquello que nombro t r a n s i c i ó n a veces nos deja decir estoy quedando desolado y aquellas ideas con el otro se han truncado dejando algunos ideales deshabitados. Aunque no dejo de creer que el transitar también indica que hay en uno un período de búsqueda, de investigación, de metamorfosis; una transmutación, un devenir de hoy al mañana, o sin ir más lejos del ahora mismo, de la riqueza del aquí y el ahora, y es eso, “el aquí y el ahora” dado desde un potente construir el que me hace narrar lo que a continuación compartiré, adquiriendo fuerzas desde lo trabajado y vivido en mi andar.

En ese periodo denominado t r a n s i c i ó n, no sé muy bien si encontré o quizás me encontró este tema que compartiré a mí, ya que lo viví en ocasiones que significan e implican mucho en mí.

Y es ahora cuando a aquella etapa t r a n s i c i ó n quiero dar un nuevo sentido, no exclusivamente aquel que antes nombre como etapa de exploración y desarrollo, sino que desde ahora le daré otro sentido, y lo apoderaré con el nombre de mi tema central en el desarrollo interpretativo de la danza y la vida.

He vivido grandes experiencias y una de ellas es la que se ha dado cita en mi vida en variadas ocasiones…“l a M u e r t e”, y a continuación a ella la denominaré t r a n s i c i ó n.

L a M u e r t e, aquella que denomino etapa de t r a n s i c i ó n es una de las instancias que se presenta o podemos buscar en la vida, llega y marca, transmite y transporta…transita.

Ella susurra y se hace presente ante nosotros llevando al otro a espacios que no sabemos dónde, pero creemos, proyectando ideas que no sabemos si serán o no reales, definida en espacios y tiempos que varían según nuestras religiones y creencias, nuestras visiones de vida y los tránsitos en los escalafones de desarrollo humano/social. Y cuando entran en juego las creencias, quisiera decir, para mí lo son “las esperanzas”…y es así el apodo final que quisiera dar a mi denominada etapa “t r a n s i c i ó n”; E s p e r a n z a.

En la “m u e r t e” es la “e s p e r a n z a” quien funda en nosotros una serie de ideas preconcebidas o denominadas ante nosotros por constructor o convicciones sociales, personales, religiosas, etc. En tanto como vemos y/o vivimos la m u e r t e responde a una serie de ideas que forman diversidad en la forma de relacionarnos con ella.

La e s p e r a n z a es aquella que nos permite dar un paso más adelante y decir, hay un desarrollo más allá de esto, luego de esto viene algo-sea o no mejor- o se construirá territorio firme post lo vivido. Es también aquel paso marcado en la ilusión que permite decir hay que continuar el camino por amor[1], un sentir que está latente en todos a la hora de avanzar en nuestros procesos, a la hora de transitar, porque sí, el tiempo con aquel que ha muerto se dio para aprender y ha marcado ideas que han de continuar para un desarrollo final fructífero, dotado de este sentimiento que es vinculo de compromiso y respeto por aquellas ideas en común.

Y desde lo anterior, la m u e r t e sustentada del amor es aquella que dice que todo se moldea, que en nuestras comuniones debemos ceder, contraer, dar, recibir, nutrir y nutrirnos en la experiencia para avanzar y no estancarse; así como en la danza, es ella donde también el cuerpo debe entregar y detener, ceder y absorber para enriquecer el trabajo en ella. Más cercano aún, como una relación de pareja también, o no?, no es acaso eso lo que hacemos cuando nos vinculamos con otro para trazar una historia juntos.

En este sentido, no me sumerjo a aquel grupo que ve la muerte como un trágico epitafio posado en medio del camino. Eventualmente es como aquella t r a n s i c i ó n a un negociar la vida que nos ha de continuar; negociar, en el sentido de decir “continúo para avanzar en aquello que el otro no pudo aquí”, pero con la responsabilidad dada de ese compromiso y/o vinculación de amor o no con el otro. Es también quizás[2] creer que ese que muere partió pero se podrá ver envuelto en una nueva vida emergiendo en el que queda con otras tareas que cumplir a favor de quien murió, o quizás, por que no, sólo hasta ahí era su trayecto en esta vida y de ahí en adelante no hay más.

Quisiera recordar que aquí propongo, aquí dejo caer todo lo que encuentro en mi cabeza loca, en mi cabeza reconstruida, pero no entrego un orden que signifique patrón para las ideas de m u e r t e y/o visiones que podamos construir con aquella. No se bien como será la muerte para quien muere, pero si se como es para aquel que queda porque me ha tocado quedar, y ver como otros mueren[3]. Claro que todos los que somos testigos nos de diversas forma la experiencia, yo aquí trazo mi forma. Hasta ahora aún no me muero y aún no sé qué será el “más allá”…a mí déjenme con mi “e s p e r a n z a” envuelta en mi ideal.

Tengo la idea de que es más fácil dar sentido a las cosas cuando creemos que hay “un más allá de ellas” y éstas no se quedan como un hoyo en medio del camino. A veces siento tener esa idea “egipciana” que mientras se conserva se vive, y/o “mapuche” en que la m u e r t e es un viaje al cual debemos ir equipados.

El “arte” egipcio, tiene relación con la inmovilidad, con la conservación del hombre y perpetuar, es por eso la de idea de momificar. Se buscaba conservar el cuerpo para que el espíritu viviera más allá.

Y con la idea del post muerte es con la que me quedaré ahora para continuar desarrollando, sí, con mi e s p e r a n z a de la mano continúo este mi tiempo de reflexión para con ella.

Personal, sentimental y socialmente, la esperanza de vivir un proceso inmerso en la m u e r t e también me ha significado un vuelo en la vida. Trascendentalmente ha sido tal proceso un acontecimiento lleno de aristas con las cuales he sobrevolado aquella etapa en la vida, perpetuando en mi vida lo aprendido por la comunión con los otros, esos mismos que han muerto.

En mi trayecto he vivido la vida de otros conmigo y la mía comprometida con la de otros…y de manera ajena he vivido muertes que no son la mía, pero han implicado una experiencia significativa por la cercanía con esos que han muerto, significando un suceso dual (el muerto y yo) y poli-personal (quienes quedamos para continuar la vida), dentro de la cual hay todo un desarrollo a cumplir en mediano y largo plazo en compromiso con quien ha muerto; aquel compromiso es parte de aquella e s p e r a n z a que me significa la m u e r t e, aquella que dota a la m u e r t e de un subtítulo.

De las muertes que he vivenciado, muchas son muertes comunes[4], por ejemplo, hay una que deriva de enfermedades, en las cuales los cercanos a los crónicos vivimos un tiempo de vigilia, en espera de aquel momento en que nos despedimos del enfermo; un tiempo en el cual compartimos los últimos instantes con ellos, descubriendo-ahí mismo-cuales son los símbolos, situaciones y sentimientos que nos harán encontrar aquellas e s p e r a n z a s vinculadas a la m u e r t e (aquella hará partir de este espacio común a aquel enfermo cercano a nosotros) y nos hará encontrar el bien-común que deja el paso de la m u e r t e en nuestro trayecto…esa es una etapa de t r a n s i c i ó n de la cual la m u e r t e se dota en un tiempo compasivo para la comunión en torno a la despedida, en ese espacio dado para agradecernos o seguir aprovechando el tiempo para empaparnos de la sabiduría del otro, compartir, discutir y/o potenciar cuanto deseemos con él.

Otros no han vivido dicho tiempo de comunión entre la vida y la m u e r t e, a ellos la m u e r t e les ha interrumpido el camino en forma sorpresiva y poco “conciliadora”…la cual en primera instancia por su calidad de golpe hace que quienes se vinculan a aquel que ha muerto no encuentren inmediatamente el lazo de unión con la e s p e r a n z a que enmarca a la m u e r t e, aquella que entrega a la m u e r t e un subtítulo. Esta muerte sorpresiva es tan brutal[5] que se requiere un tiempo post muerte para convenir con la e s p e r a n z a, con aquel tiempo reflexivo y resignado para con el proceso vinculado de nuestra mano a la m u e r t e. La mirada accidental en la m u e r t e es sorpresa para quienes vivimos junto a quien muere de tal forma y para la victima misma.

Por otro lado hay una m u e r t e que tampoco tiene momento de t r a n s i c i ó n para quienes quedan vivos[6], la cual está a falta de la sorpresa para quien muere. En la tercera[7] forma de llegar la m u e r t e no es precisamente una m u e r t e que ha de llegar, sino, es una forma de m u e r t e que se busca. La etapa de búsqueda y del llegar a encontrar el como llegar a la m u e r t e, podría ser denominada como una t r a n s i c i ó n para el que muere, y la sorpresa es la llegada de la noticia de aquella m u e r t e a los cercanos. No hay sorpresa para el que muere ya que éste ha actuado en forma premeditada. Podría ser en esta tercera forma de m u e r t e que señalo, quizás, más difícil encontrar la e s p e r a n z a, pero ella también ha de encontrarse en un tiempo post m u e r t e dando entereza a los cercanos para analizar y comprender el desenlace como un suceso de “cierta” comodidad, sea ésta bajo la valentía o no de quien muere para enfrentar la continuidad de la vida. A ésta, la tercera forma la señalaría la forma del desconcierto.

Tres formas de muerte he nombrado, tres experiencias formadas en mi vida para relacionarme con la muerte…tres experiencias que se me han dado, las cuales señalan y son prueba de que mi vida ha tenido una presencia de la muerte activa en ella.

De la primera forma, aquella que me dio espacio para velar en medio de la t r a n s i c i ó n vida-muerte mi compromiso esperanzador vinculado con aquellos que han muerto, me ha dejado experiencias como el cáncer de mi amada Abuela Sonia, el recuerdo de tu aroma, de tus chocolates, sorpresas e imágenes gratas; también me ha quedado el tiempo de mi querido Francisco Montesi, tú, la mejor manera de despertarme, de hacernos reír, el fuerte compromiso con la comunidad, con los derechos humanos, con el grito de aquellos que probablemente no pudieron o no quisieran sacar la voz.

Una m u e r t e entre sorpresiva y transitoria, con tiempo dejado o permitido para despedirnos en medio de la e s p e r a n z a, y comprometidos con él nos dejó mi niño de sonrisa conmovedora y cómplice, mi amigo de niñez, un juguete, un regalo navideño; la sorpresa, el crecer, el vernos y reconocernos a tan corta edad, el soñarte, recordarte y ver que ya no estás pero sigues en nosotros Andresito; sorpresiva fue la instancia de vivir la m u e r t e de mi hermoso y regalón Nano, dejando la pena de perder un tesoro y el valor de empaparnos de cada una de esas virtudes que nos permitiste ver en ti.…y el vuelo de mi amado Tomás, lo que significa tanto como para no mencionar más.

Y en su forma desconcertante me despedí de tus cigarrillos, tu fotografía familiar y tus copas en medio de tu bar, tentado siempre bajo tu sonrisa…bailando la langosta acompañado de tu “wurlitzer”, sí, me despedí de ti tomado de la mano de aquella e s p e r a n z a que resultó también conmoverme y apoderarse de mí en un instante tan complejo. Siendo en tu memoria cuando recuerdo mis primeros enredos con la danza, ahí situado en tu restaurante usado como un escenario improvisado para bailar.

“salta, salta, salta, pequeña langosta…”

Bajo esta canción son mis primeros indicios con uso de razón que permitieron un encuentro con el baile para luego poder inmiscuirme en la danza.

Salté de mi niñez a un ballet folklórico

Ballet Folclórico de Chile Pucará

Mi permanente estadía en la danza

Doce años de edad, casi trece, cuando ingresé al Ballet Folclórico de Chile Pucará, en donde comencé mi vida acoplada a la danza; ahí se me dio como desafío, desde primer día, ser parte del reparto de La Cantata de la escuela Santa María de Iquique. En dicha obra hay un espacio de clímax que narra la matanza obrera sucedida en 1907 en la escuela y ciudad antes nombrada.; y es ahí en donde comienza mi conexión danza y m u e r t e.

Vincularme con un proceso histórico es significativo, sobretodo cuando hablamos que un niño de 12 años se somete a la expresión[8] de un suceso como tal, si bien desde un comienzo no fui un niño afectado con la base de lo que se narraba en aquella obra, con el tiempo fui descubriendo, leyendo, averiguando y conociendo más de lo que ahí se decía y danzaba, por lo cual cada vez pude involucrarme más y llegar a sentir ciertos instantes de afectación que me eran sublimes a dicha edad. Hasta los 14 años puedo decir que era una representación, pero luego, luego comenzó a ser afectación, porque empecé a hacer más conscientes los procesos vividos con la danza, el congojar la danza y la música, la voz, la proyección, el ser y el estar en esa escena decidora.

Correr en medio de un escenario con la angustia de poder ser asesinado a los 14 años como si realmente lo fuera a ser, es potente, es una imagen súper emotiva, recordarlo me vincula mucho con el desarrollo de mi vida y el situarlo en ésta la que es mi memoria de interpretación, declara que los procesos integran mucho al crecer de una persona. Es significativo porque encontré vínculos con la “belleza” sensible de un “horror” para otros, pero encontré potencias interpretativas y narrativas a una edad que desconocía que podía llegar a vivir. Hoy que se algo de estética y he tomado conocimiento de otras herramientas para el arte y la vida, es como me he sorprendido del ver que el intérprete puede volver real un instante tan pasional y bello que no significa más que vivir un algo que no es real pero podemos volverlo como tal. Por que yo a mis 14 años pude sentir horror y pude sentirme muerto, pese a que no fuera una realidad en mi.

Corrí y corrí en medio de los obreros ya muertos, no pudiendo salvar a nadie, no dejándome caer por el horror, queriendo arrancar, salvar y salvarme, huir de las ametralladoras, pero el exterminio era para todos, no se salvaría nadie. La intensidad de la emoción que ahí se vive es vital para uno poder afectarse de lo que ahí pasa, compenetrarse con los compañeros, sentir la vibración, la energía grupal es un contacto y vinculo con el otro que potencia mucho el estado en que uno se vuelca en la obra misma.

Hay una mirada al trabajo de la danza en comunión con muchos otros que viven un instante similar, que se comparte y nutre la experiencia. Pues desde ahí he descubierto que en la danza es complejo hablar de un individualismo como lo hacen las vanguardias y los performáticos de hoy, pues nací con la danza colectiva, como ha de ser en sus inicios (fiestas dionisiacas, rituales, etc.).

Se instaura un hecho comunitario y un encuentro en el que hay una gran riqueza para uno como interprete porque las experiencias de todos hacen una gran experiencia para la persona también, aunque a veces trabajar individualmente sea tan noble y significativo como un trabajo en comunidad. Tal vez trabajar en comunidad sea melancólico[9] como señalan algunos, pero al idea de sentirse acompañados es potente, sobretodo en una obra de esta envergadura en donde se sustenta la necesidad de un grupo grande y en donde yo aprendí a trabajar la danza como arte escénico e interpretativo.

Un escenario casi a oscuras, una música conmovedora, una voz casi fúnebre, el misterio del que pasa, el horror del exterminio, el transitar bajo la desesperación fueron herramientas que me ayudaron a vivir aquel momento en la Cantata de la Escuela Santa María de Iquique.

Y en esta obra también hay e s p e r a n z a porque en medio de todos los muertos es un niño quien juega y busca tesoros en medio de todos ellos, contando que fueron matados como perros, sólo porque había que matar. Oír eso cala hondo en uno como individuo, como hombre de comunidad. Oír aquello no me puede dejar indiferente al estar en la obra.

Llevo 11 años como interprete de “La Cantata Santa María de Iquique” y no he dejado de sentir cosas en cada ocasión que la he de interpretar. Y creo, es porque la vivo y me entrego y ya no la represento como a los 13, o 14, sino que después de eso aprendí a ser el que vive lo que hace y no el que cree vivir lo que sucede. Entregarse a lo que uno hace y vivirlo es un potencial increíble para quienes somos intérpretes, porque además añade un compromiso inconmensurable para con nuestra labor. Ahí es donde se marca la diferencia entre representar y afectarse de manera real.

En el dúo del “vamos mujer” que luego se transforma en un cuadro grupal, en donde podemos ver a un hombre que traza camino invitando a su mujer a ser cómplice en la lucha por la mejora de su trabajo, por la lucha obrera, queriendo decir vamos que conseguiremos crecer; siendo la mujer quien no quiere ir, porque considera que no es un buen puerto, pero llegan a acuerdo y van hasta Iquique a luchar por lo que consideran justo, llegando a la m u e r t e; pero ahí había e s p e r a n z a, la de encontrar justicia a sus peticiones, un acuerdo con los poderosos para poder continuar con un trabajo que no fuera explotación para los obreros. Esa misma convicción uno traza en su vida como interprete en al escena o no, a veces yo lo siento así, hay que entregarse sin temor al instante, ir, creer, vivir y crecer, que suceda lo que ahí tiene que pasar; potenciarse en el instante con uno, con el grupo si lo hay, con el dúo o sea el formato que corresponda, pero dejarse vivir el momento, la densidad de él y el contacto con el espectador que se vuelve receptivo de cuanto uno pueda vivir en ese espacio común.

Y la m u e r t e de los obreros qué significó en ese entonces, sin duda la e s p e r a n z a de que algún día este “sucio país[10]” lograra vencer a los tejedores de abuso y poder emprender vuelo a una jornada de trabajo digno, con salarios ajustados a lo real del trabajo de cada hombre; a que la continuidad de la lucha obrera se diera y no se detuviera por negativos que fuesen los resultados de ella…Y es hasta hoy que vemos luchas, protestas y manifestaciones en ese contexto, porque la historia nos ha enseñado a ser así y porque es justamente necesario, aunque los resultados no se den así y los acuerdos no vengan a favor de nuestros hombres obreros.

La canción de la esperanza de “La Cantata de la Escuela Santa María de Iquique” señala, “Unámonos como hermanos que nadie nos vencerá, si quieren esclavizarnos jamás lo podrán lograr, la tierra será de todos…”[11]

En el canto del “NIÑO” en “La Cantata Santa María de Iquique”, hay un lamento significativo en torno a la destrucción de las personas, y luego de eso surge un canto lleno de esperanza, combatiente, latente, el cual abre espacio a la lucha por los derechos sociales, humanos…

No sólo de “La Cantata Santa María de Iquique” he vivido mi presencia en el Pucará, también, he podido compartir junto a mis compañeros otras obras, tales como: “El desafío”, “Chiloé en seis sillas”, “Norte-Sur”, “Cantata de los derechos humanos”, “El niño y los colores” (sólo como proceso de creación), “La cueca del hombre solo” y “La población”, entre otros.

Dentro del estar en Pucará he compartido una extensa experiencia personal como la de Ricardo Palma Rojas y mis compañeros, que se han tornado en una especie de compañeros de vida y fértiles amigos. Todos con un fuerte compromiso social, con un discurso político claro, con dinámicas y experiencias familiares similares; como dije anteriormente, llegué ahí a mis casi trece años, en tanto forje junto a ellos un desarrollo personal, un punto de quiebre y de salto a lo que más tarde se convirtiera en el hacer de mi vida, la danza.

Muchas eran las historias que escuché en los ensayos y en juntas extra-programáticas del Pucará, y muchas sobre la m u e r t e de nuestros compañeros de ballet, de nuestros familiares y amigos. Por eso también creo se nos volvía potente narrar una historia tan vigente como la de la matanza obrera de 1907, porque desde el 73 en nuestro país se trazaba un final para muchos de nuestros cercanos de manera similar; es decir, con la m u e r t e como resultado final.

Nosotros (Pucará) perdimos a un amigo, de la mano de una enfermedad en medio de un proceso de creación. Era nuestro diseñador Marcelo Sepúlveda, un hombre que fue el acople de Ricardo en su trabajo, un hombre de mucho conocimiento, quien formo y dio vida a la totalidad de los vestuarios y diseños escenográficos que el Pucará utilizase y aún maneja en sus obras. Marcelo era un eslabón del Pucará, y hoy termina siendo una especie de patrimonio sólido todo lo que ha dejado. Sin duda su m u e r t e fue significativa, aparte se fue un compañero para todos y el amigo de Palma.

Ricardo Palma Rojas ha sido mi primer maestro en el trayecto corto y profundo que llevo en la danza, un hombre que ha forzado y forjado un desarrollo en mí y un compromiso con lo que hago que es compromiso de vida y no sólo profesional. Ricardo Palma Rojas es un amigo que se ha vuelto mi padre en la danza, mi guía y motivación en variadas ocasiones: un hombre que me ha enseñado a formar discurso, potencia y coherencia en lo que uno busca hacer. Y por sobre todo me ha enseñado a tener un compromiso social en torno a lo que uno hace, no olvidar a los demás y hacer de nuestro arte no aquel arte en función individualista y artificial, sino que un arte que involucra al pueblo, un arte que va de la mano de la sociedad, uno que se comprometa con lo que nos pasa.

Siempre digo que Palma es mi cuenta cuentos, es como aquel abuelo que se sienta junto a uno a contar esos cuentos que resultan significativos para los niños y entiende que en medio de eso hay un deber en cuanto a traspasar la sabiduría que otorga la experiencia de vida.

Creo que la m u e r t e nos hace ver que tan importante son las personas para nosotros y nos saca a fuera el sentimiento de necesidad dado por el extrañar a quien ha muerto.

Palma ha sido un sólido maestro, esos que saben enseñar y saben equivocarse para mostrarnos que no todo es perfecto, pero que podemos entregar un gran trabajo a los demás.

Ricardo es de esas personas que ha comenzado a despedir a sus amigos y que cree tener la muerte cerca, como una etapa que él espera porque ya a muchos les ha llegado; muchas veces ha de llegar a ensayos o en nuestras juntas personales, con la pena de haber asistido al funeral de algún amigo, o contar la historia de la m u e r t e de sus compañeros. Así como a mí hasta hoy también me ha tocado despedirme de muchos que han sido compañeros de vida, compañeros de aprendizajes, de experiencias… amigos del alma…de mi edad, menores y mayores, amores familiares absolutamente significativos.

Y este cuenta cuentos no sólo me habló de muertes, sino que me ha contado un cuento sobre la danza, de la cual me fui volviendo participe y he formado un propio capítulo para mí. Palma me habló siempre de Patricio Bunster, de Johan Turner, Valentina Pavez, Ezequiel Gómez, Manuela Bunster, Jorge Olea y otros; a quienes más tarde tuve la posibilidad de conocer, dialogar y aprender de ellos, o de legados que otros dejaban o dejaron.

Tan significativo era todo lo que narraba Ricardo que cuando quise entrar a estudiar danza no podía ser a otro lugar que el Espiral, que es la escuela de danza en alianza con la Universidad Academia de Humanismo Cristiano, escuela de la cual estoy egresando como pedagogo e intérprete y estudiase composición. Pero así como dijo Ezequiel Gómez “Aquel cuento que te narró Ricardo es el mismo que oí yo, para mí también existió una Valentina Pavez, una Manuela Bunster, alguien que me significara esa imagen como te significa hoy a ti” [12]

Entré a la escuela y algunos de los que nombré fueron mis docentes, otros formadores formal o informalmente. Y otros, amigos de la danza.

Giannina Canessa y Andrea Huerta, otras amigas pertenecientes a Pucará, también fueron motivaciones firmes para que me surgiera esa necesidad de estudiar danza.

“La mesa verde”

Una conexión desde el Pucará a la universidad

Un trabajo significativo para la danza en Chile

Digo que hay una conexión entre Pucará y la universidad, porque para citar la muerte y las grandes composiciones coreográficas, Ricardo Palma Rojas, director artísticos del Ballet folklórico de chile Pucará, siempre mencionaba “La mesa verde”, como una obra majestuosa, y lo es, realmente, porque luego en al Escuela también me toco verla en diversas ocasiones, evaluarla y trabajar sobre ella, ya que Patricio Bunster[13] también la citaba y había sido intérprete de esa obra.

Somos herederos los chilenos de aquella creación de Kurt Jooss[14], en donde también hay una interpretación de la m u e r t e.

Para señalar la obra misma quisiera entrar al instante justo en que el sonido de un balazo irrumpe la escena y emerge de ésta una muerte que envuelve al espectador del acto. Dicho evento viene a ser el vamos de, una tremenda maquinación que se promulga desde la mesa verde. En ella trabajan todos aquellos que quieren y logran manipular los acontecimientos que afectan a todos los que viven bajo los efectos de sus formas de legislar, ya sean desde la política de los públicos y los privados. Con dicha mesa comienza la obra, que narra desde las mesas de dialogo hasta las penas que pasan las victimas que viven en guerra por conflictos dados desde dichas mesas controladoras de la existencia humana, convirtiéndose en una obra narrativa. Narrando la preocupación por las divisiones sociales y los problemas de ese entonces, en que la corrupción política y las políticas militaristas estaban en pleno auge. 10 hombres son quienes se conspiran en la hazaña; éstos son representados desde una forma mimética que hace entender de qué forma se trabaja en dichas instancias en que se piensa en el bien de quienes confabulan y no de quienes son los que sufren los efectos de sus maquiavélicos planes[15]. Jooss exagera mucho la gestualidad de los hombres de la mesa, pues ellos todo el rato discuten de lo correcto o no correcto, pues se notan esos diálogos, ya que los hombres están con guantes blancos que se destacan en su expresión dentro de la cámara negra que funda el escenario, lo que alumbra una preocupación por lo visual desde Jooss.

La primera imagen que se viene luego de la mesa verde, como ya lo señalé, es La m u e r t e, un personaje que viene en representación del significado de ella misma y también de las danzas macabras[16]. Este es un hombre que se ve enorme en la escena, que irrumpe con todo en el espacio en cuanto se desplaza, dejando caer de su energía un cierto poder que proviene quien sabe de dónde.

Será esta m u e r t e la encargada de recoger cada nuevo miembro de la cofradía de muertos que deje la guerra vivida en la obra. Éste es un personaje que recorre toda la obra no siendo un ente malvado, sino solo el ser que recoge todo lo que la guerra va dejando a su paso. Y señalando que nadie está libre de ella, pues esta caga entre todos los personajes, está viva en cada momento. La kinética de este ser es profundamente fuerte, controlada y con carácter autónomo, sin declarar maldad, sino que deja un poco de seguridad ante su función en la vida[17]. La caracterización y el vestuario derivan de un cuadro del ilustrador y escritor austriaco Alfred Kubin, “Dier Krieg”, ahí aparece un hombre con dotado de armadura y casco, más, lo esquelético que viene de las danza macabras antes señaladas. Son la caracterización y el vestuario elementos que nos permiten dar cierto sustento al personaje que interpretamos, pero no son el todo, porque lo esencial está en uno y como conjuga lo externo con lo interno sin que eso externo nos sobrepase.

Esta obra narrativa representante máxima de lo que es la danza moderna, en ese entonces, rompió los esquemas sacando las puntas del ballet y dejando también desplazada a la escenografía, pues todo lo que se quería decir estaba marcado desde la caracterización de los personajes y en su danza, los cuales eran un fiel reflejo del discurso que Jooss estaba dando en su composición.

La mesa verde es una obra que fusiona lo académico con lo moderno y que ha sido representada en ambas formas en escena. En la versión estudiada he visto la dedicación por el drama y la expresión, que deriva desde la teatralidad que se le da a los personajes, vagando entre la mímica de los hombres de la mesa, el expresionismo de la vieja madre y el carácter lúdico del acaparador, dotando de gran carácter a la muerte, dando energía y espíritu de lucha a la guerrillera y de una prolijidad y dolor a la muchacha.

Surge también la aparición del acaparador, el ser que viene en busca de todo lo que la guerra pueda dejar en su beneficio. Se jacta de ser un hombre de principios muy correcto a la vista de los demás, pero al momento de estar frente a los muertos es un hombre que no duda en robar y sacar de las victimas, todo lo que quede a su paso y pueda valorar es para él. En cierto sentido este ser viene a agradecer el paso de la guerra y a la m u e r t e por su actuar en medio de estos conflictos bélicos. Una señal de que el acaparador se deja lo que sirve y que va en función de su nombre, es el robo de un anillo a un muerto en guerra.

La joven que acompaña a su madre, vive la agonía de un ser que se opone a la guerra y que sufre por todo lo que ésta arroja a la m u e r t e y al horror de vivir en tiempos sombríos. Aunque la mujer siempre tiene e s p e r a n z a, sabe que en el fondo nada cambiará y que todo seguirá así, pues los aires de mejora no se oyen y no se verán resueltos en un largo periodo de la vida, por no decir nunca. Ese aspecto queda claramente denotado al final, en donde Jooss hace una fuerte critica a esta mesa que trata de resolver todos los conflictos, pero que por fines personales o colores políticos no logra resolver los conflictos y se entorpece una y otra vez, dejando que estos actos permanezcan en la historia. Así la m u e r t e queda victoriosa y no deja el paso en la vida, pues estamos constantemente entregados a los conflictos que se puedan dar en la sociedad. Pues hoy no somos libres ni de guerras ni de conflictos sociales que dejen de ser perjudiciales para la humanidad.

Bien señalé que “La mesa verde” es un trabajo significativo para Chile, porque muchos coreógrafos chilenos han citado en sus obras a ésta. Porque en sus obras también podemos ver esas problemáticas sociales y políticas, derivadas de distintos periodos políticos, pero que responden a una misma causa social, que es el menosprecio de algunas clases sociales y el manejo de dichos actos para el beneficio de otros. Así lo vemos en composiciones que aluden por ejemplo al golpe militar y el pleno periodo de dictadura en Chile o la misma matanza obrera que señalé en mi introducción y vida en el ballet Pucará, con la Cantata de la Escuela Santa María de Iquique; es decir la m u e r t e presente en diversos acontecimientos. Don Patricio Bunster hace que los alumnos de la escuela de danza de la UAHC nos volvamos cercanos a la potencia de la mesa verde a nivel de composición como interpretativo, y trabaja una obra que narra un sucedo en que también hay m u e r t e rondando como su gran obra “A pesar de todo”; don Nelson Avilés crea con su colectivo de arte La Vitrina “carne de cañón” en la que narra sucesos de la dictadura en Chile, mismo contexto que la obra de Bunster.

Todos los antes mencionados me parece que buscan hacer una exposición del horror vivido en nuestro país por nuestros compatriotas y familiares para que sea nuestro país, un país con e s p e r a n z a, fundado en la lucha social y presidido por los derechos humanos, en la convicción de un Chile más justo y con menos matanzas, con igualdad. Con obras dados bajo la musicalización del potente canto social; otorgado por Víctor Jara, Luís advis, Quilapayún, etc. Esas más la obra de Jooss son de distintas épocas, pero son capaces de profundizar y contextualizarse en diversos tiempos en un tema que es universal...

Yo interpreté a la m u e r t e en tercer año en la escuela, junto a otros compañeros, y Raymond Hilbert, profesor a cargo del ramo, nos decía; “La kinética de este ser es profundamente fuerte, controlada y con carácter autónomo, sin declarar maldad, sino que deja un poco de seguridad ante su función en la vida”.

Por consiguiente, ahí declaro y veo en la m u e r t e presentada por la danza que ella es segura, es lo seguro que tenemos en la vida, todos sabemos que en un tiempo indeterminado la m u e r t e nos llegará.

En tanto la m u e r t e en La Mesa Verde no se ve como un personaje de la vida de maldad sino que la maldad y su aspecto negativo esta dado en cómo ésta llega a la vida de las personas y trunca su continuar, porque la m u e r t e en sí no tiene maldad sino seguridad, puesto que está presente en la vida siempre, y ese es su poder, el estar siempre presente en todos nosotros, en algunos antes y otros después, pero siempre ha de venir a nuestro encuentro. En tanto es ese el atrevimiento que uno ha de tener a la hora de interpretarla, dominando esa seguridad, esa potencia, la rigurosidad de alguien que no ha de vacilar. Hay cuerpo dominante y no dominado, con carácter, con presencia, oponente, potente; pesado, acoplado a la tierra, con un centro de peso y soportes que todo el tiempo van a tierra. Existía cierta relación de poder pero no de abusar de aquel; raro, porque siempre uno piensa que aquel que ha de tener poder ha de abusar de él.

Con esta experiencia aprendí que la m u e r t e tiene la seguridad de que ha de llegar siempre, pero no es abusiva, sino que lo que irrumpe es la forma en que esta ha de manifestarse en algunos casos.

Interpretando para mis compañeros y para mí

Un intérprete para nuestras practicas estudiantiles en la danza

Otra m u e r t e que me tocó experimentar fue la de aquel elefante que interpreté en la coreografía de Claudia Cortés “ELEFANTES”[18]. En este trabajo éramos una manada de elefantes que transitaba en la vida, bajo el contexto de juegos grupales, dúos y solos en que los elefantes narraban sus sueños de niñez y su edad al avanzar, trazando la vida en una imagen que el espectador ha de visualizar en una diagonal que traza su andar. Al final de ella, interpreté a un elefante cansado, entregado, que se quedaba atrás de la manada y no podía continuar el tránsito con los demás y muere en el camino. Aquí también existía ese juego a favor de la gravedad que ya se disponía en La M u e r t e de la Mesa Verde. Solo que aquí no era disponer un peso a favor del suelo, sino que el peso se daba solo por el desgano y agotamiento que el elefante sufría a lo largo de su trayecto.

Aquí lo que me generó una imagen súper fuerte en relación a la m u e r t e es la mirada final al momento de morir, pues, cada vez que experimentamos el trabajo vi en mi una mirada infinita, como aquella que uno ha de ver en aquellos cuando mueren, una mirada de descanso que no se corta. Y otra cosa relacionada y muy a favor de la mirada también venía con la respiración; luego de la exaltación de danzar y narrar la vida de estos elefantes, en el t r a n s i t o a la m u e r t e venía la respiración de agotamiento y luego un juego con la respiración en la cual he de dejar que ella fuese más larga, más entrando al relajo, al estado neutro del cuerpo, una respiración que casi no provoca movimiento en el cuerpo de uno.

Posición cuádruple y a piso, entregar, contemplar, dejar, abandonar…respirar, mirar…morir…observar… fue la intensidad del momento de la MUERTE del Elefante que fu en la coreografía Claudia Cortés.

En “F”, un trabajo para composición que hice, también visualicé la muerte, pero en el carácter expositivo y de morbo que la televisión durante ese tiempo estaba dando a la muerte de todas las mujeres victimas de agresiones que las llevaban ala muerte, bajo el concepto de FEMICIDIO. Los canales locales sostenían sus noticiarios a diario con la cuenta progresiva de las muertes que se daban bajo ese contexto. Y utilicé a os hechos para poner en escena a tres hombres que representaban a la TV y a las mujeres victimas de esos actos. Decidí que fueran tres hombres quienes representaran a la mujer en la obra, porque me parecía interesante ver a quienes como género somos los causantes del femicidio desde la vereda de la víctima.

En “Contigo”, mi SOLO creado para composición I, fue también una visita al tema de la muerte, sumado a la cuenta en REGRESIVA (como el viaje latente a la muerte), en donde me situaba en un encuentro con una persona, compartía una copa de vino y mientras contaba números en regresiva, Yo sentía que decía todo lo que me faltaba decir y compartir antes de morir, hasta que llegaba el final y derramaba el vino sobre mi cuerpo como signo de sangre, y el cristal roto como signo de muerte. Para mi ese solo fue la intensidad del desarticular la vida a números en tiempo límite y azaroso.

En la coreografía de Taller coreográfico, con Luis Eduardo Araneda, también en su final había un momento de rendición y de pedir pedir perdón antes de fallecer…Aquí en un rincón de la sala debía encontrarme con el agotamiento y la exaltación del cuerpo, del cuerpo agotado, entregado, golpeado, fisurado, quemado, ahogado…un cuerpo vibrante… Y las velas al ir siendo apagadas daban el vínculo al vacío y al fin.

En “Escultructura”, hay un momento en que visualizo la muerte, de manera simbólica al mirar el vacío, en posición de crucifixión…en que la música señala un momento dado al dejar morir las cosas, ya que suena un teléfono descolgado…

Reflexiones de la vida

Dime que bailaras mañana... dime como se baila la muerte...

Para seguir viviendo

La muerte se baila con la misma sensación que en ese preciso instante has de sentir...de manera real sin querer decir ni mostrar, si no con puras ganas de liberar y de agradecer al menos el encuentro con tu chiquillo...por sus aportes, por lo bello que significó en ti, en el fono tras estos sucesos sólo agradecer. Como en el todo de la danza, la belleza y riqueza está en enfrentarse y vivirla con el corazón, con la verdad, sentirse honesto con uno y con quienes nos comparten.

Vincularse con el que muere a través de la más bella de las energías que es el AMOR, descubrir todo aquello que significa, que aquella esperanza loca de la que muchas veces me he de sentir participe...es real… La muerte es eso, es el punto en que se define el gran significado de cada uno aquí, en este encuentro...con su mirada, su verdad....su valor.

Cómo llegue la muerte a nosotros es otra cosa que a nosotros no nos corresponde por ahora, por hoy...lamentar....en ese preciso instante ayudarlo a viajar, a sentirse tan amado como cuando te sonreía de cara a ti.

Ámala

Agradezcan

Cántale

Báilale

Grítale

Llórale

Sonríe

Comparte

Dale gracias infinitas

Vívete la muerte…deja que las cosas también mueran, vuelvan a nacer y florezcan…

La seguridad que vive desde que naces es la presencia de la m u e r t e…

No me puedo ir sin agradecer!

Agradezco infinitamente a mis padres Isabel y Guillermo por su apoyo, por su dedicación y confianza…por su educación, vínculo y amor…a mis hermanas por su amistad, compañía, rigurosidad y permanencia, a mis sobrinos por su sonrisa y cariño, por enseñarme a volver a creer, crecer y sorprenderme…A mis familiares en general por creer y crear espacios para mi verdad, mi riqueza y las de ellos…por conjugarnos a diario con amor.

Con cariño y respeto agradezco a mi Maestro y Amigo, Ricardo Palma, a sus enseñanzas, a su valor y entereza, a su dedicación con el Pucará y al espacio que me ha dejado vivir en su Ballet. Y Agradezco a todos quienes han sido parte de mi espacio ahí.

Con el amor que se merecen y por ser las que empujaran mi amor a la danza y mi querer hacer, es que agradezco a mis amigas Giannina Canessa y Andrea huerta.

A Patricio Bunster por forjar la escuela en la que me desarrollé, a Manuela por su paciencia y compañía, a Valentina Pavez, por su rigor en el aula, por su carisma y lo particular, por ser una buena compañera… a Exequiel, quien se propone como un buen oído, y a Jorge por su amistad; y a todos éstos por ser los personajes de esas historias que tanto oí.

Quisiera agradecer a mi Maestra Tatiana Martínez por su dedicación, amabilidad y enseñanza, por su apertura y respeto, a Yasna Vergara por sus enseñanzas y su estar activo, a Raymond Hilbert por lo concreto, honesto y riguroso, por lo dinámico y buen profesional. A Willy Ganga por todo lo vivido y esos buenos aprendizajes, a Jorge Olea por su amistad, a M. José Cifuentes por su compromiso con la danza, por su ansiedad y buena practica, por su valor y por lo buena compañera en mi formación. A Carolina Bravo por dejarme ser, confiar, estar y desafiarme. Y a Natalia Sabat por su compromiso, buena gestión y por creer en un grupo de chicos que desea bailar y seguir creciendo desde el corazón. Y a Marcelo Nilo, pese a los encuentros desencuentros también le agradezco lo vivido en conjunto.

A Verónica Ciriza le agradezco el espacio de vivirnos tiempos y compartir, por invitarme a participar con ella en las temporadas de la Cía. Espiral, y generar ese espacio para maravillarme aún más con el trabajo de Patricio.

De Corazón y con mucho amor quisiera agradecer a mis amigos Sebastián Ruíz, Rayen Pojomovsky, Ivania Bakulic, Claudia Valenzuela, Diana Carvajal, Camila López, Carla Mardones, Betsy Orellana; Vicenta Pavez, Carla Cruells, Carlos Moreno, Francisco Vivero, Gola González, a la comunidad y a las “VC”. Agradezco a Javiera Muza y Javiera González.

Agradezco a Carlos Rivas, Daniela Riquelme, Andrea Zuloaga, Roberto Rojas, Jacqueline Catalán, Álvaro González y Nadia Durán. A mi Generación 2005 por completo, por esas maravillosas experiencias en conjunto, por crecer en el cuerpo, la danza y la vida…

Un abrazo gigante para mis compañeros de la Generación 1996, especialmente a Gabriela Bravo, a Paulina Jara, a Daniela Guajardo, a Francisca Crisóstomo, Jovanka González, Kamilla Galleguillos y Eric Alcota; a Alejandra Díaz, Camila Asún y a la bella Carolina Ponce.

Y especialmente agradezco a Nicolás Donoso, por su apoyo y dedicación en este tiempo de egreso.

Y Gracias infinitas a Gonzalo Venegas, Cristián Contreras, Hugo Peña, Marcos Matus, Josefina Valdovinos, Martín Andrade, Mara Hormazábal, Luis Eduardo Araneda, Valentina Morales y Natalia Sabat por permitirme entrar en sus procesos coreográficos.

Todos y muchos otros han llenado de amor, verdad y experiencia mi corazón.

Mientras siga bailando la verdad y mi verdad, ahí seguiré con la danza.

Gracias infinitas y honestas.

Guillermo André Becar Ayala.

2011.

[1] he vivido la muerte como transición fundada en esperanza apoyada del fuerte amor por el otro y en la convicción de que los ideales pueden llegar a puerto por la comunión con el otro.

[2] Digo “quizás”, por que no soy dueño de alguna verdad absoluta, ni tampoco quiero serlo, no obstante lo propongo.

[3] Más melancólicamente sería decir “cuando aquellos parten”, porque no se donde parten, pero si que mueren.

[4] Aunque me cuesta definir que es normal o que es paranormal dentro del carácter (o formato) en que se lleva a efecto la muerte en el individuo.

[5] Brutal, es un carácter sensitivo, emocional, y personal, con el cual veo o significo el instante de sorpresa y emoción con el cual me enfrenté ó me he vinculado a este tipo de muertes.

[6] Entiéndase, “quienes quedan vimos” como los cercanos y/o dolientes del fallecido.

[7] Digo tercera para enumerar la presentación que hago de las formas de llegar la muerte (así como enumeré otras y numeraré) y no como numeraciones formales que den un orden por equivalencia a algunos patrones que dirijan las muertes.

[8] Hablando de expresión por sobre afectación, pues, hago un análisis en mi a esta altura de la vida y creo que a esa edad era capaz de representar más que vivir un proceso afectivo estético.

[9] Carlos Pérez, señala que la melancolía se vive mucho en los trabajos colectivos, viviendo aquella esperanza de lo que desean comunicar en la obra que presentan, con acordes necesario para elevar el grito de un algo, como lo han hecho Colectivo La Vitrina, Danza en Cruz en algunas de sus obras. Proceso que de igual forma viene muy demarcado por una forma política de hacer danza, sobretodo después de la dictadura en Chile.

[10] Percepción y/o crítica personal a sus poderosos (abusivos) no al país general, no discrimino a todo su pueblo sino a los que faltan a la honestidad y buenas prácticas.

[11] Cantata de la Escuela Santa María de Iquique, composición de Luís Advis, interpretada por Quilapayún.

Dicho instante de a composición y obra, reafirma eso “melancólico” que viven los grupos de trabajo en visión a un futuro mejor y repudio a los sucesos que alteran la buena vida, el cotidiano, así como lo dije anteriormente sobre lo que decía Carlos Pérez.

[12] Comentario dado en una de las innumerables conversaciones con Ezequiel Gómez.

[13] Docente de la escuela de danza de la UAHC hasta el 2006, Gran bailarín y coreógrafo Chileno, del cual fui alumno y conocí su obra, teniendo la posibilidad de compartir algunos diálogos.

[14] Kurt Jooss: Coreógrafo, bailarín y maestro de danza alemán. Fue el primer coreógrafo reconocido que sintetizó la danza clásica y la danza moderna. Jooss intentaba hacer danza moderna mediante la reforma de los excesos en la técnica del ballet clásico, sin abandonar la disciplina y la lógica innatas al ballet.

[15] En la época que se crea La mesa verde, la guerra era un conflicto que afectaba el vivir de los europeos. Y Jooss anota en su obra la creación, la espera, la vivencia y el post de ella.

[16] Los estímulos en que Jooss se fijó fueron una secuencia de cuadros de “Danzas Macabras” danza medieval en la cual los europeos representaban esqueletos humanos, y jugaban mucho con las formas de las calaveras como símbolo de muerte, danzando, moviéndose o jugando como si se aferraran a su vida perdida. También Jooss vio al personaje de la muerte en la Iglesia Maria en Lubecker Alemania, donde había una pintura que contaba con la presencia de la muerte rondando entre muchas personas de distintas clases sociales, y que reflejaba el pesar de todos los individuos ante su presencia.

[17] A esa forma debíamos aludir al momento de interpretar a la muerte de la mesa verde, según Raymond Hilbert, en clases de interpretación.

[18] Coreografía realizada para el examen de grado de composición de Claudia Cortés.

C A N T A T A A P U E N T E A L T O, C o r e o g r a f í a d e G u i l l e r m o B e c a r A y a l a

2011-03-20T21:19:00.000-07:00

E X A M E N D E G R A D O I N T E R P R E T A C I Ó N

2011-03-18T19:39:00.001-07:00

P o r l a B o c a M u e r e e l P e z

Coreografía de N a t a l i a S a b a t

Para núcleo de trabajo buscandonombre/cuerpoescénico

Intérpretes:

A n d r e a Z u l o a g a, I v a n i a B a k u l i c, D a n i e l a R i q u e l m e, J a c q u e l i n e C a t a l á n, Á l v a r o G o n z á l e z, C a r l o s R i v a s, G u i l l e r m o B e c a r.

T a c o s e n l a A v e n i d a (Adaptación)

Coreografía e interpretación G u i l l e r m o B e c a r A y a l a

E d é n

Coreografía de L u í s E d u a r d o A r a n e d a

Intérpretes, A n d r e a Z u l o a g a y G u i l l e r m o B e c a r

I n f i l t r a d o s

Coreografía de M a r t í n A n d r a d e y M a r a H o r m a z á b a l

Intérpretes M a r a H o r m a z á b a l,

G u i l l e r m o B e c a r y R o b e r t o R o j a s

M a n d i n g a

Coreografía de G o n z a l o V e n e g a s V a r g a s

Intérprete G u i l l e r m o B e c a r A y a l a

E s c u l t r u c t u r a

Coreografía de C r i s t i á n C o n t r e r a s

Intérpretes, J o v a n k a G o n z á l e z,

E r i c A l c o t a y G u i l l e r m o B e c a r

I r r e v o c a b l e

Coreografía de H u g o P e ñ a

Intérpretes, N i c o l á s D o n o s o y G u i l l e r m o B e c a r

U m b i l i c a l

Coreografía de

M a r c o s M a t u s y J o s e f i n a V a l d o v i n o s

Intérpretes,

F r a n c i s c a C r i s ó s t o m o y G u i l l e r m o B e c a r

Sobreviviendo

2010-06-14T17:41:00.000-07:00

Creación para agrupación TEOARTE
Dirección CARMEN GLORIA GONZÁLEZ
Coreografía GUILLERMO BECAR AYALA

Agrupación TEOARTE Inspirada en la canción de Víctor Heredia Sobreviviendo, se ha insertado en un viaje a la realización de la que es su nueva obra, SOBREVIVIENTES, obra en la cual conjuga en escena diversas prácticas que han de sumar el cuerpo en una expresión sólida e integradora. Se fusionan en SOBREVIVIENTES; danza, hip hop, teatro, capoeira, breack dance, malabarismo, mano a mano; cuerpo/materia, voz, comunión, deseo y voluntad. Aportando con todo esto y desde la realidad más cercana de sus integrantes un sin fin de emociones e ideas que han de potenciar nuestro trabajo en el deseo de reconstruir a un país “dañado” por la fuerza natural.
20 artistas ponen sus ideas en escena, las cuales dejan en ella, el tiempo de un vuelo poético que ha de narrar minuciosamente los acontecimientos previos, durante y post terremoto.

La tierra, las personas, una comunidad; un pueblo, han de vivir y reconstruir su tiempo desde las virtudes del hombre. El amor y la voluntad han de poder dejar en nosotros la idea de reconstruir nuestro presente.

“Tengo la esperanza de seguir riendo, sintiendo, agradciéndole a la
vida a cada momento, respiro en mi sentimiento. Sobrevivir es ganarle
a la rutina, sobrevivir de la calle en las esquinas, los que caminan
en una sola línea solo se determinan y pronto se avecinan a construir
un mundo mejor, hoy levantamos Chile del escombro con valor, sin
temor. Somos un pueblo guerrero con una misión reconstruyendo nuestras
almas con mas fuerzas y comunión." texto RAMÓN, proyecto rama

Andrea

2008-11-25T20:37:00.000-08:00

Con la magia y pureza de la danza conjugada a la música, y la musicalidad en ella, tratamos de crear un cuadro reflexivo, exploratorio, sensible y tierno sobre la mujer.

Entramos al proceso de vida social e individual de cada una de las mujeres aquí presentes...del ser intimo y del vacío, -lo natural/orgánico-

vemos a mujeres activas, con cosas que decir y otras que esconder, con motivos de lucha, de felicidad y dolor...una vida tal cual es, con procesos cotidianos explorables y emergentes desde la razón a la concepción natural...

Mujeres receptivas, informantes, desformantes y formantes; consumidas y exquisitas en sensibilidad...

Mujeres valientes y bellas...como el nombre Andrea lo dice...

Femeneidad al desborde...y expresión sutil de su vuelco de niña a mujer...

a vivir, crear, sonreír y continuar...

Andrea...

Sexteto para Composición coreográfica

Dirección: Guillermo Becar Ayala

Interpretes: Lidia Aguilera, Natalia Bakulic, Claudia Cortés, Pamela Reyes, Daniela Riquelme, Bernardita Villarroel.

Creación Colectiva

Agradecimientos a Constanza Díaz y Andrea Zuloaga...

desde ambos...necesidad

2008-11-20T20:32:00.000-08:00

Desde ti a mi y desde nosotros a un solo cuerpo

de recorrer y correr a vos

contemplar en suspiros hasta acoplar….

Desde mí a tu interior y tu querer

en mi fortuna a tu presencia y ambos en cada cual…

De pelo, de piel, de olor, de color…De pelo largo y pelo corto…

Necesidad…es amor, amor es necesidad…
Necesidad de ti a mi, de mi en ti, en ambos, con cierta densidad…

Guillermo Becar Ayala...

Texto para taller coreográfico II, dirigido por Luis Eduardo Araneda...Basado en el tacto, la necesidad...el sentir y observar...

Guerra

2008-08-26T13:45:00.000-07:00

Colectivo de arte la vitrina dice, “Nuestro Colectivo de Arte es una organización cultural sin fines de lucro abocada a la investigación, creación y difusión del arte usando como soporte activo nuestro cuerpo.

Construir cultura desde el arte en forma permanente, generar el sentido exploratorio en la creación y la investigación estético-artística no convencional con un profundo interés progresista y orientarnos en la relación humana horizontal constituyen la misión y el fundamento de las actividades del Colectivo de Arte La Vitrina.

Nuestra misión, también, se plasma en los procesos y creaciones escénicas, en nuestros constantes y variados talleres y encuentros, en la forma de convivir y sostener nuestro espacio.

Fomentamos la reflexión en torno al arte, por lo mismo nuestro espacio, representa un lugar abierto a recibir y organizar propuestas e iniciativas, en el cual nos potenciamos. Crecemos en la convivencia y heterogeneidad, haciendo cultura”[1].

En guerra, la obra que analizamos desde su enfoque vanguardista, es una disposición del colectivo a investigar sobre el cúmulo de sensaciones, emociones, vivencias y relaciones que surgen desde un tiempo sombrío, como lo es una guerra. Tiempos que no solo deben ser delineados como procesos bélicos, sino que existen con todo un carácter de globalización que consume a los vivientes en cada momento, pues crece y su masificación rompe con un trabajo comunitario y engrandece el individualismo, ahí yo digo, “quien corre se salva, pero quien ayuda, probablemente se queda en el camino, las buenas intensiones casi no existen o no nos damos tiempos para ellas”. Eso y muchas cosas detonan una guerra, no solo se saca una bala al aire o contra cuerpos, sino que contra una historia y sus sujetos involucrados de sol a sombra y eso es justamente lo que la vitrina narra en su historia.

Me refiero a no solo conflicto bélico, porque Guerra, muestra la critica a un sistema, a lo que la sociedad vive en al actualidad, no solo estamos en guerra por espacios y sino también por hambre, por comida, por luchas sociales, por generaciones perdidas, por sometimiento a ese sistema que tienen en crisis a los comerciables gobernados. “En el transcurso de las escenas nos aliamos para dejar al descubierto el cinismo voraz, nos apoyamos para fortalecernos y juntos conformar un frente que nos lleve a salir de este letargo individualista y consumidor, y tomar acciones para provocar un cambio que genere utopías mas solidarias, equitativas, participativas, respetuosas, horizontales y humanas”, nos señala la vitrina en su presentación de la obra[2].

Sonidos que vuelven el alma al cuerpo y cantos que dan pie para crear relaciones que han sido cortadas por un egoísmo de la humanidad y al cual debemos dar pie para exterminar. Aquí la vitrina quiere crear lazos, y fomentar el disfrutar de cosas sencillas que se dan de lo micro y que no se tapan con vínculos materiales[3], a los cuales la promoción del sistema nos ha envuelto, a ese orden que nos reprime y hace vender cuanto tenemos y comprar cuanto no necesitamos.

Su espacio escénico es un galpón, con un pasillo que se envuelve de alimentos empaquetados el cual nos lleva a una gran caja negra dentro de otra más amplia, la cual está rodeada de materiales visuales que detonan Guerra, los cuales señalan que la guerra está más cerca de lo que aparenta ser. En ese sentido, la guerra significa, se imagina, y se concreta, es y se vive. Cuerpos en el espacio, dan la sensación de tiempos desolados, yermos de poder, creando una escena que dice sobre un cuerpo reprimido, traumado, explotado, el cual es comprensible, desde su exposición en la obra, dotada de poca ropa en su transcurso, de ritos y torturas, todo suma para crear una gran manifestación, aunque cada escena dice, el fin está en el desarrollo, en la conjugación de todo. Creando espacio para un nombre bien puesto y bien desarrollado en la obra.

Uno de los objetivos propuestos es también el derrocar a los insensibles e inhúmanos. Atrás el individualismo y entrar a un trabajo de conjuntos, de grupos, de colectivos, donde seamos un todo y no algunos, él o ella.

Evoca solidaridad y reacción frente a las necesidades, desde el momento en que uno ve el valor de la entrada, pues un alimento no perecibles es ir en beneficio de un algo aunque no sepamos hacia donde se conduce aquello que entregamos. Pero eso dice, que existe un más allá[4]. Dicho acto de voluntariado va seguido de una relación constante entre intérpretes y publico, el cual es activo, hace parte de la obra, él también hace comunidad. Canta, lee, viste y da tonalidad a momentos de la obra y a veces muere.

La danza contemporánea, habla de un marco contemporáneo, en que ya no son las guerras grecas, romanas o románticas las que nos narrar la danza, sino que actos que están aquí, en el palpitar de la era que vivimos, del envolvente que consume al serhumano en su pasividad individualista y la poca conciencia de fraternidad.

Hay citas a hechos históricos y contextos de vida de quienes conforman el colectivo, hay una forma de ver al ratigado y al latifundista. Hay una exposición del cuerpo, donde el poder corpóreo se apodera de la escena, aunque la frase de movimiento no diga algo, se entiende que pasa en ese momento, que es lo que narra la escena[5]. El movimiento, su frase, su pose, no es referente en todo el trayecto que se recorre en la obra, pero la temperatura, la musicalidad, la dramatización y esos elementos ayudan a dar carácter y comprender, aunque me atrevería a decir que se dispone al espectador a vivir.

El consuelo que queda es que hay más y no se está solo y que la melancolía de eso, ayuda a construir una visión de consuelo y de empatía, dados por ejemplo cuando están los cuerpos tirados en el piso y espectadores que se vuelven parte de la escena deben vestirlos, ahí el espectador activo, busca la forma correcta o más amorosa de ayudar a vestir ala persona despojada de su vida, tratando de regresar su vida e identidad.

Señala el Colectivo en su página “juntos sortear la indiferencia del individualismo que el neoliberalismo nos impone, con el propósito de mantener su montaña de riqueza y ostentación, actitud miserable, a costa de opresión y un gran despliegue de cinismos de los gobiernos y los poderes económicos… esta Guerra es contra ellos”.

La obra no acaba ahí, sino que nos vamos a la Guerra, pero con nociones de llegar a hacer fraternalidad. De no seguir en la practica individual y hacer por nuestro desarrollo, sino por hacer un bien común aunque nos suene a idealismo onírico.
[1] http://www.danzalavitrinia.cl/ determiné poner la propia forma en que el colectivo ve su trabajo y como lo plasman en sus objetivos.
Hablaré desde mi particularidad en dos obras de la vitrina, “Guerra” y “Carne de Cañón, más su forma de prestar el espacio y como se ha llevado a cabo diversas muestras, como “Desde la otra orilla”. Me parece que ellos profundizan en la relación humana que más que ser horizontal, es transversal por el sentido que podemos ver en ella, dispuesto desde la acogida y la forma en reservar la asistencia a la obra, como todo el proceso que se vive en la escena y luego de ella, dando un espacio a la reflexión; en cierto sentido, el trabajo que la vitrina realiza tiene mucho de afectación al publico, dando su visión de mundo y haciendo ver al otro su perspectiva, abriendo sentido y dotando de un espacio casi espiritual, que vuelca la vida a espacios oníricos, sin querer serlos, pero que los llenan desde la comunicación y la forma de exponer el cuerpo. Y posee un gran énfasis en hacer comunidad, en crear relación con quienes ven sus obras, en ir más allá junto al espectador y no dar pie a la individualización, aunque a veces se ve en el carácter danzario, pero no es prioridad en su trabajo.

[2] http://www.danzalavitrina.cl/

[3] la canción que se canta dice; Bésame mucho, como si fuera esta noche la ultima vez

[4] La falencia de la danza que nombra Carlos Pérez, sobre el hacer danza hoy, que falta profundizar en propuestas que crea un algo después de solo ver y no quedarse con el marco revolucionario del instante que dura la obra.
[5] “De los humildes asesinados insensatamente una y otra vez, nace la mirada conmoción que se encuentra y activa en los ojos del hermano, para de la fraternidad entender e instalarse en el lugar del otro, en el sacrificio del otro, la muerte del otro, la necesidad del otro, la dignidad del otro, junto a los millones de otros, unirse y sumarse para que juntos, hacer que otro mundo sea posible”.
Colectivo de arte La Vitrina, http://www.danzalavitrina.cl/

Creación colectiva

Dirección: Nelson Avilés

Dirección musical: José Miguel Candela

Interpretación: Colectivo de Arte La Vitrina (+ público participativo)

F

2008-07-19T09:47:00.000-07:00

F es un trabajo experimental que aborda el Femicidio, visto desde la sensibilidad de un hombre, es decir, desde como un hombre experimenta dichas emociones, pensando y visualizandose en una mujer. Cómo no utilizar hombres para esta experimentación, si son ellos los causantes de dicho efecto en la sociedad, pues para que haya Femicidio, es necesaria la existencia de un hombre que comete el acto de acabar con la vida de una mujer.
En este evento hemos visualizado dichas emociones y una perspectiva que aborda la sensibilización del interprete y que posee un carácter de transiciones que emergen para conducir de una emoción a otra, permaneciendo un estado conflictivo en la víctima, durante todo el proceso, la cual está entre la pena, el dolor y el amor.
En F, encontramos el Femicidio visto desde la televisión, representado por un hombre que crea su representación desde una lectora de noticias, la cual narra la situación que se vive hoy en día en nuestro país, una realidad que no escapa de ámbito social ni del tiempo que nuestra historia nos concede. Esta mujer, es quien se encarga de llevar el Femicidio a la televisión, quien ha logrado mediatizar y burlarse de él, en muchos instantes, en los cuales ella pasa a ser una especie de psicoanalista que disfruta de su morbo y de lo que provoca en ella convivir y ver de que se trata y como se llega a este acto. y desde ahí, hasta donde somos capaces de soportar el ver el dolor ajeno? hasta donde permitimos que los medios jueguen con el dolor de quienes quedan y jueguen con la vida de quien murió. la mujer televisiva no está libre de nada, pues en el transcurso de todo, va siendo detonada una nueva emoción en ella, y poco a poco termina siendo ella también una víctima de Femicidio, despojándose de su estatus.
Es la representante de la televisión la que da el carácter farandulero al cual ha sido sometido el Femicidio en nuestro país, pues los medios de comunicación han abordado el tema, algunos con respeto y otros al margen de él, pasándose del morbo que uno puede poseer y llegando a gozar del tan magno y repudiable hacer del hombre.
En nuestro país se ha dado una cierta conmoción por el Femicidio, pero a la vez se ve como los medios de comunicación gozan del ir sumando victimas a la cuenta que día a día crece.
Está en el subconsciente colectivo de nuestro país el ir velando por cuanto número de victimas existen, y ha pasado a ser casi una cuenta a la cual ninguna persona puede mantenerse ajena.
Un día en la peluquería fuimos testigos de como la gente conversa del tema, algunos haciendo chistes de tal situación y otros entristecidos por lo que causa el acto del Femicidio.
En cierto sentido, las victimas de Femicidio han pasado a ser modelos de televisión, de las cuales podemos ver imágenes de su vida y recorrer la historia que cada una ha llevado en su paso por este espacio del mundo, también hemos llegado a ser testigos de los que sufren la perdida de un ser con el cual compartieron la vida.
En el conflicto se ven causas y efectos que nos han servido como elementos para poder narrar y experimentar en el posible estado que poseen las mujeres antes y en el acto del Femicidio. Pues, todo ha sido una búsqueda, que deriva en lo que hemos logrado vivir de nuestra introducción en dicho mundo.
Una pasarela acoge a estas victimas de Femicidio, las cuales tienen todo un proceso lineal que se sumerge en el la emoción que vive la victima. En linea recta veremos el dolor de otras, la exposición de su vivir y el camino que a otra le toca recorrer, no esperando verse envuelta en este acto y Burlandose de él.

Esta experimentación aborda también la sumatoria de las victimas como antes lo nombre, cayendo todas en una fosa que común, en la cual todas tiene algo en común...fueron matadas debido a diversos motivos por hombres desenfrenados...

Hemos utilizado una estética desde una visión de la interpretación, rescatada de la forma de ver a la mujer que han utilizado KimKi-duk y Almodóvar, el primero desde el órgano visual y reflexivo de una mujer, en tanto el segundo, desde como un hombre aborda la sensibilidad femenina y el carácter homosexual que usa Almodóvar en sus películas.

coreografía: Guillermo Becar Ayala
intérpretes: Luis Acevedo, Alvaro González, Sebastián Ruíz
fotografía: Guillermo Becar
música: Paulo Fernández

modelo: Claudia Cortés
mujeres VF: Stephanie Cabrera, Diana Carvajal, Claudia Cortés, Cristina Estay, Pilar Leal, Estefania Pereira, Rayen Pojomovsky, Daniela Riquelme, Claudia Valenzuela, Claudia González, Natalia González, Pamela Reyes, Andrea Zuloaga, Canela Astudillo.
Agradecimientos a Guillermo Ganga

...agradecer también a Carlos Rivas

Contigo

2008-07-05T14:57:00.000-07:00

Esta noche te pediré algo que va más allá, esta noche me convierto en algo que no sabemos...

esta noche me voy...

esta noche compartiremos, pero será nuestra última noche...

yo me dejaré llevar hasta donde el momento me quiera dejar

Esta noche traspaso el tiempo a ti, a nuestra convivencia...

te contaré la vida en segundos y correré de la misma forma a pedir que vos me cuentes la tuya. No dejaré que de mi te olvides

Esta noche estarás y quedarás presente en mi para siempre

Esta noche, estaré contigo

Aquí estoy,

Contigo...

Dejaré el tiempo correr,

de "140" a "0" segundos con vos en carne

pero al infito en presencia...

Esta noche todo correrá en regresiva...

Esta noche iré Contigo...

Dido & Aeneas

2008-06-13T13:01:00.000-07:00

Dido & Aeneas, es una ópera que cuenta la relación entre Dido, reina de Cartago, y Aeneas, el príncipe Troyano, quien derrotó a los Griegos. Dido se enamoró de Aeneas, pero debía dejar que él se marchara a fundar Roma y luego derrotara a Cartago. Todo bajo la conspiración de las brujas

Esta obra ha sido llevada a la danza por dos grandes coreógrafos, uno es Mark Morris, quien ha sido denominado como el más popular del mundo[1] y Sasha Waltz, la coreógrafa contemporánea más importante de Alemania luego de Pina Bausch[2]. En la ópera Dido y Aeneas encontramos recitativos, es decir, un movimiento dentro de ésta que explica la obra, de forma que el espectador sabe lo que acontece en el desarrollo de ella. Waltz los utiliza en su obra, haciendo un uso que permite enriquecer la obra y lo que ella vuelca en su puesta en escena, por el contrario, Morris no hace uso de los recitativos que la obra posee, sino que hace solo uso de las partes musicales.

Dido & Aeneas, por Sasha Waltz[3], es una puesta en escena que se enmarca en una instalación a gran escala. Posee un espacio escénico amplio, debido a que dentro de él, cuenta con diversas locaciones, las cuales se usan para contar la historia en el mismo escenario[4]. Encontramos ahí por ejemplo, en la obertura de la obra una gigantesca pecera situada en el escenario del teatro, la cual está con agua y de a poco se vacía. Dentro de la pecera bailan detonando pacientemente su desenlace fatal. Aquí la energía de los movimientos y su desarrollo permiten encontrar a peces bailando en medio del océano y a veces podemos ver a hombres en el útero. Encontramos también un lugar bajo el escenario, el cual es usado como el recinto de las brujas, lo que muchos podríamos denominar como el infierno que habita bajo nuestros pies. Al espacio de la cueva la iluminación y su profundidad bajo el suelo, dan un carácter de infierno y de malestar, de lo antagonista que resulta dicho espacio para la obra. Existe también un espacio superior a los ya nombrados, el que vienen siendo lo más noble, un espacio que la coreógrafa usa para la entrada de la realeza y los nobles al palacio. El público ve todo esto desde sus butacas, ya que la obra se da en un teatro convencional.

Sasha Waltz pone en escena a bailarines y cantantes, con los cuales hace un desdoblamiento de los personajes, es decir, hay dos Dido, una cantante y otra bailarina, y a veces hasta cuatro interpretando al mismo personaje-de esa forma llegamos a encontrarnos con cuatro Didos, dos o tres Aeneas, o Belindas en escena-entre el canto y el baile. En la misma forma representativa, también, hay un coro vocal y corporal expuesto en escena y un orfeón dancístico, lo cual imprime una belleza a la obra, y que recuerda el como eran las antiguas óperas que se desarrollaban, donde las artes se integraban. Sasha Waltz estampa aquí una perspectiva integradora, que hace ver el cuerpo desde otros manejos, como lo es lo vocal y el dominio que se requiere del cuerpo para lograrlo, ya que no usa solo la voz de los cantantes sino que se ve la participación activa de los cantantes también en el movimiento, es decir, en la danza misma. Dentro de su búsqueda de movimientos ella expone de igual forma lo que pasa con el cuerpo cuando este canta. También desarrolla el que los cantantes líricos se desenvuelvan en la danza, por medio de la interacción cantantes y bailarines, es decir la incorporación de los cantantes en los fraseos de movimiento; la imagen se ve claramente en la escena de la cueva, ahí los brujos y hechiceros cantantes se disponen a bailar, logrando una gran intensidad en la relación música, canto y danza. Se logran así, grandes figuras grupales.

El uso del espacio se vuelve armónico y se consolida con el emplazamiento de cantantes y bailarines en escena. La coreógrafa logra detonar en el espacio un conjunto de intérpretes[5] que se vuelven un solo cuerpo en movimiento desplazándose por el escenario.

Los colores ayudan a crear atmósfera y en la obra podemos ver muchos espacios que se demarcar visiblemente gracias a la luz. Los espacios son proyectados a su tonalidad especial; mostrando por ejemplo, la cueva de las brujas, el bosque, la pecera del inicio y el salón del palacio, en el cual se da la clase de saludo y comportamiento. En el caso de las brujas se utiliza una cueva que es delineada por colores oscuros y amarillos con naranjos desde el socavón señalando fuego que se desprende desde aquella zona.

La obra adquiere un peso dramático y gana a favor para la buena comprensión del receptor por medio de la conjugación entre el diseño, tanto de luces y colores en vestuario como en escenografía. Los trajes de los intérpretes que hacen un mismo personaje son tan similares que permiten encontrar el desdoblamiento del personaje antes mencionado.

El cuerpo en movimiento es un gran traductor del dolor que Dido posee al asumir su amor y dejarse llevar por la pasión, lo cual hace que ella se deje derrotar y entregar a su pueblo ante el destino que para ella está dispuesto. Es una condición que Dido solo se dedica a asumir, eso se puede ver cuando baila y es envuelta con su propia sombrilla, lo que hace ver a ella sumida en su dolor y su final muy próximo a acabar con todo[6]. El detalle del cuerpo y la orgánica en Dido está dado por lo interno que es su flujo y el carácter femenino que poseen ambas intérpretes. Aeneas también contiene una centralidad en sus movimientos.

Las diversidad del lenguaje corporal hace ver en esta obra una apertura a las distintas formas que posee cada interprete para narrar la obra. Una de las Belindas bailarinas es muy frágil y fugaz en sus movimientos, casi no tiene peso y se desplaza a gran distancia en sus movimientos y un flujo totalmente continuo.

Waltz busca un dialogo entre sus bailarines, el cual siempre está presente en la obra. Los intérpretes vocales cuando se mueven dan una particularidad más coloquial del cuerpo a la obra.

Sasha Waltz imprime a su obra el flujo continuo, simultaneo y jamás hace uso de la fragmentación. Su movimiento si da compañía a la música de la ópera y a la música le ilustra un movimiento singular[7]. Se ve que el movimiento tiene una tonalidad y sonido peculiar, que sale de la música de la ópera, pues a veces está en función de ella, y otras en función de la emocionalidad y el flujo del cuerpo.

En esta versión de Dido & Aeneas, la canción “When i am laid in earth”[8], es representada por un desgarrador testimonio de Dido, en el que ella es revestida de pelo largo negro, el cual hace que ésta se pierda entre él y no encuentre escapatoria a su destino. Es así como Sasha Waltz muestra el lamento de Dido después de que Aeneas se marcha, dicho instante, es recordado como uno de los momentos operáticos más importantes de la historia[9] y es así también como Dido muere. Se ve en esta obra también, un discurso sobre la amistad, y es precisamente ahí donde vemos Belinda, la amiga de Dido, en una participación constante, ella nunca se aleja del lado de Dido y la acompaña hasta en su muerte.

Al final vemos la ceremonia fúnebre que muestra la muerte de dido y el dolor de todo un pueblo en ella, traducido en pequeñas antorchas distribuidas en el escenario, las cuales reflejan a ese pueblo en llamas, y quien honoríficamente celebra esta ceremonia es Belinda.

Sasha Waltz, quien para muchos es la nueva Pina Bausch, destaca al igual que ésta última, el dramatismo que la danza puede poseer, la narración misma del texto, de lo que queremos decir. Se ve una vivencia del discurso de la obra, de la narración de ella. Y en esta obra vemos todo eso, más su inclinación por la búsqueda de lo nuevo, de lo único, por su afán de llenar espacios de nuevas formas. Y como fue alumna de una de las discípulas de Mary Wigman a Waltz no se le olvida bailar desde la emoción, pues Dido & Aeneas es una muestra de la emocionalidad en el arte de la representación[10].

Por otra parte, tenemos la creación coreográfica de Dido y Aeneas hecha por Mark Morris[11], en la cual Mark Morris expresa una dualidad, pero desde el sexo del intérprete, debido a que el personaje femenino Dido lo representa desde un hombre[12]. Disponiendo un discurso de apertura a la homosexualidad debido a los intensos ataques de homofobia que sufrió durante el tiempo que pasó en España[13]. Lo cual también hace referencia a que un artista siempre muestra parte de su intimidad al espectador, es decir, en la obra hay de todo
lo que él cree, de sus virtudes y contradicciones como individuo y persona perteneciente a un colectivo.

La dualidad de Morris representa todo un discurso moral que tiene que ver con la homosexualidad, focalizando la atención en los personajes principales, Ya que se narra toda una tragedia de amor que se ve representada por dos hombres, quienes son Dido y Aneas, un hombre y una mujer en la historia de la ópera. El discurso de la homosexualidad se destaca por la claridad que Morris otorga a los personajes y por la sutileza que éste imprime en ellos. Es un juicio público sobre el tema, de forma visible, pero no conflictiva. Solo caracteriza al personaje de forma femenina y un tanto ambigua, dotando de un fuerte carácter a la obra misma, la cual, enfatiza en el movimiento asexuado. Morris aquí vela por lo poco convencional del movimiento, no se inclina por lo tosco y grotesco que resulta el movimiento masculino y tampoco se va sobrecargado a la delicadeza, o bien, de la fragilidad de una mujer. Hay aquí un lenguaje que hace del movimiento algo un tanto asexuado, que no se inclina en la balanza con un carácter de hombre o mujer, dispone desde ahí un lenguaje técnico, dando cierta singularidad plástica y democrática del movimiento en cuanto a la conciencia de la pluralidad de el lenguaje corporal aquí utilizado. En la escena de la cueva, donde Morris representa a la Bruja (hechicera) se sobrecarga del carácter femenino, y podemos ver que Morris disfruta del carácter lujurioso, tentativo y jocoso de la mujer a la hora de potenciar a tal bruja mujer.

También hace referencia a su inclinación por rescatar lo folclórico[14], la cultura de los pueblos, ya que se ve que en esta obra sus movimientos poseen una identidad detonada desde la forma griega; sus posturas e imágenes ayudan a concretar su meticulosa afición por la forma y se demuestra que Morris atiende al patrón simétrico de los griegos considerablemente. Usa imágenes que estaban grabadas en las ánforas griegas, de las cuales desprende diseños que son constantemente expuestos en la obra, marcando así sus diseños corporales y trayectorias. Los cuales se pueden ver sobretodo en las escenas que comparten Dido y Aeneas, como, en las del coro de bailarines; quienes siempre mueven sus brazos simétricamente con diseños griegos.

Sus movimientos están desenvueltos en ángulos rectos, recorriendo siempre el plano bidimensional, son muy rectos y casi no utiliza movimientos curvos; salvo las articulaciones propias del hombre. En tanto a cualidad musical se puede decir que Morris conjuga siempre el movimiento con la música, sus movimientos se traducen a la temporalidad y flujo sonoro, es decir, se desarrolla el MUMO (relación música – movimiento)[15], quedando a veces bajo la potencialidad de la música. Sus desplazamientos y diseños de piso son rectos y asimilan el uso de un ajedrez, ya que los intérpretes se mueven como las piezas de ese juego[16]. El carácter del movimiento en Morris es sumamente expresivo, y utiliza mucho los gestos para decir el texto que desea dar a conocer en la obra. Usa mucho los signos y el diseño (posiciones estáticas o con pausa).
En esta oportunidad los intérpretes vocales están en escena para la filmación que hemos estudiado[17], pero a diferencia de la versión de Sasha Waltz, aquí los cantantes no bailan, solo son ubicados en lugares estratégicos par que los podamos ver mientras ocurre la danza, pero ubicados fuera del escenario, lo que hace que se amplíe el espacio escénico, pero que no significa que poseen un espacio en común. Son dos espacios en uno, es decir, el espacio de la danza y otro para el canto.

En iluminación, se destaca que éstas son las encargadas de dar la atmósfera de distintos lugares según su tonalidad, como por ejemplo; la cueva (verde, negros, azul oscuro, nubes negras), el bosque (verde, azul templado, luz amarilla tenue, nublado) y el palacio (colores más claros y grises con azul para las nubes). Otro elemento escenográfico son las columnas griegas pero en un tamaño pequeño, notándose como barreras de una terraza, sumando a eso, unas escalinatas que dan también la imagen de Grecia en sus grandes templos, lo que se conjuga con todo el diseño que da Morris desde la raíz griega a este trabajo, pues la estampa griega está en toda la obra, tanto en elementos escenográficos, como en movimientos y sus diseños.

El simbolismo está presente, sobretodo en la muerte de Dido, cuando cae muerta sobre su propio trono, siendo este el resultado de que ella entregó a su pueblo por amor. En esta muerte Belinda está presente, como una amiga fiel, acompañando a su amiga y reina en el lamento, dolor, agonía y la muerte que aqueja.

Me resulta interesante ver a modo comparativo como una obra moderna se puede exponer desde diversos ángulos, si bien, el trabajo de Morris responde fielmente al modernismo, destacándose por el fuerte trabajo de los diseños y gestos y expresión, que se traducen a palabras en la escena; dotando su trabajo de gráfica bien compuesta y de significado. Es una obra que en su máxima expresividad mezcla lo tradicional con la vanguardia en su forma de interpretar y abordar la historia, tanto como en su muestra de lo sagrado y lo profano. Su propuesta escénica no se aleja de lo poético que puede llegar a ser una obra que está hecha en función de una sociedad, y que revela la conciencia y el inconciente del autor en su obra[18]. Así como también lo hace Waltz, desde su obra moderna-vanguardista, está detonada en una propuesta escénica absolutamente vanguardista y que dentro del carácter del movimiento pasa por las diversas técnicas del movimiento y formas de presentar la historia, de señalar, de simbolizar. Sasha Waltz utiliza más el simbolismo y la emoción-la vivencia de la emoción, la afección misma del interprete desde la visión estética- que el carácter expresionista que posee Morris en su lenguaje durante la obra, lo que responde a la influencia que Morris recibe desde el folklore, debido a que es lo primero que él hace como introducción al movimiento, pasando por el flamenco para llegar a la danza como expresión moderna. Morris pone en escena a cuerpos que representar y a los espectadores como lectores de su representación, hace mucho uso de la teatralidad de la historia, muy por el contrario, Sasha Waltz permite que el intérprete viva la emoción y uno como espectador se afecte con lo que ocurre en la obra; desde la vivencia más simple. Aunque ambos usan la vanguardia de forma sutil, ya que no provocan una afección plena y transgresora en el público.

Personalmente me parece que debo rescatar los temas tratados en medio del discurso que cada uno de los coreógrafos toma para narrar la obra. La perspectiva de la sexualidad que desarrolla Morris, es un resultado interesante como manifestación de la tolerancia y real existencia de la homosexualidad e introducir y dar voz a algo que está presente en todo el acontecer de la vida. La amistad es un tema en el que ambos coreógrafos coinciden, demostrándolo desde una Belinda que no abandona a Dido en ningún instante y que es la maestra de ceremonia en el rito fúnebre. Una gran diferencia es que Waltz trata con gran ímpetu el concepto de pueblo; ella siempre señala en escena el que los protagonistas de la historia tienen todo una ciudadanía que cuidar y por la cual luchar, a los cuales, por amor Dido falta a sus principios y a lo que significa ser reina de un pueblo, asumiendo también el que era parte de su destino y que no tenía como escapar. Los elementos técnicos juegan a favor de ambos coreógrafos, siendo Morris el que utiliza menos recursos escenográficos, a diferencia de Waltz, que usa una infinidad de elementos escenográficos y vestuario[19].
[1] http://www.baileretro.com
[2] http://www.danzaballet.com artículo de Dido & Aeneas, para el FESTIVAL DE BARCELONA GREC 2008.
[3] Sasha Waltz nació en 1963, en Karlsruhe, Alemania.
[4] Me parece que estos lugares técnicos ayudan a definir los detalles con gran favor para la obra, puesto que se desenvuelve la narración en un contexto más visible y común al conocimiento del publico. Es una instalación a gran escala, de las cuales el público de danza no está acostumbrado a ver y que por su parte la danza tampoco acostumbra a utilizar y/o mostrar. Aunque, claramente tienen que ver con los recursos que las compañías tienen para elaborar sus propuestas escenográficas.

[5] Me parece una sólida conjugación de interpretes (danza-canto) dado entre el Coro de Berlín y la compañía de danza Sasha Waltz & Guests (fundada en 1993).
[6] Existe también otra escena que muestra el peso con que Dido y Aeneas cargan, ya que en un instante quedan llenos de ropas sobre ellos, además, en otra oportunidad son seguidos por una enorme fila de personas, lo que también traduce que cada uno de ellos tiene un gran pueblo por el cual deben seguir en lo que la vida dispone para ellos.
[7] A diferencia de Morris, ella si da con lo expuesto por Balanchaing, “que la gente vea la música y escuche el movimiento”.
[8] Canción de la ópera que narra la tragedia de Dido & Aeneas, precisamente el lamento de Dido.
[9] http://www.danzaballet.com artículo de Dido & Aeneas, para el FESTIVAL DE BARCELONA GREC 2008.

[10] Sasha Waltz estudió danza con Kornhaas, discípula de Wigman
[11] Mark Morris nació en Seattle (Washington) 29 de agosto de 1956, fundó su propia compañía, la Mark Morris Dance Troup.
[12] Él en la versión que hemos analizado.
[13] Morris vivió en España-se fue a tomar clases de flamenco- y fue discriminado por su homosexualidad.
[14] Morris comenzó tomando clases de Folclore en su ciudad.
[15] MUMO música-movimiento, forma de trabajo de la danza expuesta por Patricio Bunster, dictando cátedra de Composición.
A mí personalmente me parece que la música se come a Morris, que solo se escucha la música y no se ve fuertemente el movimiento de la música ni la música del movimiento, como lo definió Balanchaing.
[16] Método utilizado por Ricardo Palma, Director Ballet folclórico de Chile Pucará
[17] Versión para la televisión Canadiense.
En la versión que hemos estudiado, la cámara no queda estática, ni en un cuadro de forma que la obra quede en un plano general, sino que juega dentro de la obra misma y dispone de diversos ángulos y frentes para mostrar la coreografía, lo cual lo vuelve una variación de la puesta en escena para el video.
[18] Conciencia social como funcionalidad del artista. Concepto extraído desde texto El Artista de Kagan, material de apoyo para composición coreográfica IV.
[19] Debido a la gran cantidad de recursos que se le entregan para que ella produzca sus obras.

Pedro Lemebel

2008-04-30T13:54:00.000-07:00

'(...) Algo hay que decir, al menos desatar la
ira frente a la impudicia de cinco momias del Tribunal Constitucional que se arrogan el derecho de apoderarse del cuerpo de la mujer para decidir sobre
sus proyectos fecundatorios. Pareciera que después de tanto andar en el difícil
trayecto de la liberación, ciertos proyectos de identidad que creíamos
ganados son remitidos a la mazmorra feudal del catolicismo inquisidor. ¿Pero quiénes
hablan de la vida y la familia con la boca llena de espermios vinagres? La
misma derecha miliquera cómplice del crimen a mansalva.
¿Quién habla de la vida y pone los ojos blancos mirando al Altísimo? El mismo prelado al que se le espumea la boca negando el condón, que es el único salvoconducto en la frontera del
sida. ¿Acaso, señor eclesiástico, su celibato pedófilo es más recomendable?
Tal complicidad retrógrada entre los magistrados y la curia violenta el derecho
que tiene toda mujer a decidir sobre su cuerpo. Si no eres dueña de tu cuerpo,
mujer, ¿de qué mierda eres dueña? Mujer pobre, mujer proleta, mujer obrera,
cansada de trabajar, lavar, educar, amamantar a la prole que, según estos
beatos, te manda Dios. Como si Dios te diera un bono de mantención para la
crianza. Como si los críos vinieran con una beca divina. Mira tú, si los
ricos Opus pueden darse el lujo de parir a destajo porque les sobran las lucas.
En el fondo, como dice una amiga, este pastel podrido es segregación clasista.
Que tengan guaguas como conejas las cuicas UDI, que tienen servidumbre para que
les críen a los nenes blanquitos. Porque también, si ellas no quieren, pueden
hacerse el aborto de un millón, en el fundo o con el médico de la familia, y
después llegar regias al cóctel en La Dehesa.
Pero esa realidad glamorosa no
es la suya, señora pobla. Con cueva ha logrado tener tres niños, y aun así,
usted y su marido se sacan la chucha para educarlos. Y esa monserga de la
vida, del huevito, del feto de días que piensa, canta ópera y recita la Biblia, el
feto filósofo que es más que un ser humano.
Quién sabe, quién tiene la seguridad del momento cuando empieza el mambo de la vida. Pura culpa y más culpa que le meten en la cabeza. Como dice mi amiga feminista Raquel Olea, ¿cuando usted se come un huevo, qué se come: un huevo o un pollo. Dirán que esto es
facilismo. ¡Manual feminista!, gritará alguna cuica Opus. ¿Y qué? Todas las
mujeres populares saben del aborto, del palo de perejil, del alambre y de
los riesgos que corren con las aborteras clandestinas.
Además, todas conocen los malos tratos y crueldades a que las someten en las postas públicas cuando llegan con hemorragia. La culpa cultural es la construcción madre, virgen y mártir que ha hecho esta sociedad occidental de la mujer. ¿Qué sabe el hombre de un
cuerpo agredido en su género desde que nace? Nació chancleta, decía antes la gente,
y las perritas se ahogaban en el río.
Lo mismo pueden decir de mí; qué sé yo de esto, de un territorio corporal tan vasto y mortificado por un designio religioso y parturiento. Y quizá tendrían razón, pero me complicito con la libertad del cuerpo mujer y sus decisiones de supervivencia, de tener o no
hijos, de tomar la píldora del día después, después de tener un rico sexo
espumeante. ¿Por qué estos rígidos señores condenan a la clase trabajadora a
tener sexo sólo procreativo? ¿Y si el polvo era sólo por calentura casual?
Si la cachita era sólo para pasar la neura, sólo por deseo. Ustedes, señoronas de
misa dominical, ¿conocen la palabra deseo? ¿O sólo se abren de piernas para tener
hijos? Pero ese es problema de ustedes, y no tienen que imponer esa moralina
alpaís entero.
Tampoco se crean las damas zorrijuntas que llegar al aborto es
una gimnasia recreativa. Si fallaron las pastillas, si no resultó el tarro,
si el condón se rompió, la colegiala, la pobladora, tiene que vender lo que no
tiene para arriesgarse con un raspaje con gillete mohosa.
Alguna vez le pregunté a mi madre si se había hecho algún aborto. Me dijo que sí con
aburrida indiferencia y después hablamos de otra cosa, mientras ella apagaba la tele
donde el cura Hasbún vomitaba sentencias y amenazas con cola de
lagarto.'

Pedro lemebel

Alaska

2008-04-22T12:18:00.000-07:00

“Alaska”

Teatro de Universidad Católica: foro abierto, músicos colocados en el lado izquierdo del espectador. El escenario tiene un cuadrado en el centro, más alto que el resto. En el costado derecho hay una mesa con botellas de agua, cafetera, vasos.

En el centro del espacio hay un hombre sentado en una silla con un cartel que dice “Estoy desesperado”. Va cambiando de lugar llevándose la silla al sitio donde se desplaza.

Hay un sonido constante, un zumbido fuerte e incómodo que hasta hace necesario taparse los oídos.

Entra una mujer, balancea sus brazos de arriba hacia abajo, con impulsos fuertes. Su gesto es triste, angustioso. Sus movimientos repetidos, lineales. El hombre la mira. Entra otro hombre que mueve sus brazos como si lanzara pelotas, se sienta en el suelo y repite una secuencia de movimientos. Ella salta en el lugar.
Entra otra mujer se quita la blusa y mueve el tórax, ondula la espalda y el abdomen. Entra música de violín sobre el zumbido. Sale la primera mujer al costado derecho, fuera de la escena. Se sirve agua y la toma. Salen la otra mujer y el primer hombre. El otro queda solo en el suelo. El zumbido acaba y entra sonido de golpes...

Todo tiene un tono angustioso, repetido, e incómodo. Las bailarinas, Noelia Leoncio y Alejandra Ferreyra Ortiz, son precisas y con unos cuerpos muy bien trabajados que se mueven con escrupulosidad.

La música en vivo es de Ulises Conti. En el comienzo el sonido es tan agresivo, que hace temer por lo tímpanos de los espectadores. Luego al entrar sonidos melodiosos de violín o piano uno se reconcilia con la música.

Los intérpretes Lucas Condró y Pablo Lugones son más actores que bailarines. Las acciones teatrales los desplazan dentro y fuera del cuadrado mágico designado para mostrarlas. Caminan, ruedan, se sientan y se paran. Se ponen y se quitan prendas de vestir. Se abrazan, se cargan, se manipulan unos a otros. Se suceden solos, dúos, tríos y cuartetos todos en el mismo tono.

Los cincuenta minutos que dura el espectáculo se hacen agotadores, quizá porque ellos hacen ver que es agotador. Una escena recordable es cuando la mujer no quiere que el hombre se ponga los pantalones y se trepa sobre su espalda. Entonces él aprovecha para quitarle sus pantalones, mientras ella se desliza sobre el cuerpo de él. Es una secuencia de trepadas y deslizadas por el cuerpo, mientras continúan con la acción, muy bien lograda.

Diana Szeinblum, la coreógrafa, es bailarina, actriz y argentina. Quizá por eso el nombre de la obra fue “Alaska” y no “Tierra del Fuego”.

“Alaska” se presentó representando a la danza argentina en el XV Festival Internacional Santiago a Mil 2008, en Santiago de Chile. Recibió subsidios del Fondo Cultura BA en 2005, Prodanza en 2006 y del Instituto Nacional de Teatro en 2007.

Escrito por Mabel Miana

Me parece una obra que se dedica al tiempo, se desarrolla con gran énfasis en él, más allá de ser una intención del autor.
Desenvuelve un cuerpo en armonía con la angustia que este desea expresar, veo la exploración en el arraigo que posee el hombre en sus conflictos, en sus desesperanzas. Es un trabajo enriqueciendo por movimientos muy simples, que se vuelven una constante siendo aveces sublimes para el espectador.
Se produce una transformación continua en lo que uno puede ir pensando del estado de los interpretes, pues se divaga entre tantas emociones cautelosas, que aveces te limita hasta el propio pensamiento.
El cuento no está en el virtuosismo, sino en la trama, es el desarrollo de esta misma, la que te hace desembocar en desesperación misma.
El final me parece, quizás, un tanto noble en no ser acucioso.

Guillermo Becar Ayala

NO ERRÉ

2008-02-17T15:47:00.000-08:00

No solo yo había pensado esto, sino que el mismo Noverre lo escribió

Que noble se vuelve la vida cuando descubro que no solo yo he criticado muchos dejos del ballet, sino que poseo compañeros que se encuentran en la misma encrucijada ante dicha manifestación artística. Y tan noble se vuelve cuando me siento a leer el texto de J.J. Noverre, y veo trazada la misma idea en sus líneas, el mismo cuestionar que en un centenar de veces nos hemos planteado quienes participados de la danza. Dichoso creo que es el ballet por su virtuosismo, pero que penoso cuando se nota la falta de sentimientos, de alma, de viveza, de expresión; de la afectación misma por parte del compositor y el bailarín en el ballet. También a falta de adquirir para ellos temas más relevantes y que no sean “temas que carecen de sentido”, como lo dice aquel hombre. Es ahí justamente dónde creo nos aflora esta encrucijada. He ahí donde veo que no erré y que no solo yo había pensado esto, sino que el mismo Noverre lo había escrito.

Me pregunto si los autores son personas frívolas, desde el marco en que no se logra ver un trabajo profundo de aquellos temas que si son contingentes, de aquellos temas que si debiésemos cuestionarnos, más de solo pensar en emociones básicas, o historias sin contenido, pues dichas historias debiesen tener un mensajes, que posea una lectura clara, y sino es clara, no importa; también se vuelve grata la obra que hace cuestionarse al receptor, pero estas obras debiesen llevar en si un mensaje con carácter, sea éste, con dureza, alegría, pero si debe tener viveza en la idea, para que el autor exprese un algo al espectador. También me cuestioné si los bailarines son personajes que transitan por la vida sin emoción ó si sus emociones son tan frágiles, emociones que no quisiesen tomarlas y sacarlas para llegar a la afectación completa y entregar anuncio potente, hasta reventar la afectación del espectador. Aunque desde su distancia también logra afectar a quien lo ve, y sí que nos afecta, porque si no nos afectara tanto aquella disposición de la puesta en escena de aquel ballet que poco nos entrega y solo nos brinda virtuosismo, créame ud, que estas líneas no serían redactadas ni hoy ni mañana, porque no tendría razón alguna por la cual criticar; pero como es un conflicto tan latente en la danza, si deben estar presente, pues son también parte de mi diario vivir con ésta. Y hablando de ésta misma puesta en escena en el ballet, cuando yo llego a la sala, tomo asiento, me dispongo a ver el ballet, me siento; lloro o río y es porque me efecto por lo que pasa, por lo que no pasa; por lo precario que es. Y la emoción la vivo desde el lamento, por lo que se me da a la vida en aquel instante. Y el señor Noverre por medio de su texto ha señalado, “Si, en general los ballet son débiles, monótonos y languidecientes; si están desposeídos de ese poder de expresión que constituye su alma, la culpa no es tanto del arte, lo repito, como del artista”. Y aquí he comprendido que a él lo envolvía el mismo cuestionar en torno al ballet, pues en sus cartas tomó los mismos desvalores en el ballet que yo soy capaz de percibir. La culpa de que este arte posea precariedad solo debe asumirla quien desarrolla éste y no el arte mismo. O sea, no erré, no solo yo había pensado esto, sino que el mismo Noverre lo había escrito.

En lo que he podido compartir con la danza, y en el trayecto que he recorrido con ésta, volviéndola parte de mi, me planteo a ésta misma como uno de los principios básicos de la vida, una instancia que el hombre debiese poder vivenciar. Esto, para poner en juego el afloramiento de las emociones, para elevar desde el cuerpo cada una de las emociones, indagar en cada sensación, ser capaz de lograr conciencia corporal; manifestación en la cual seremos capaces de unir, cuerpo, mente y alma; y también invito a este juego a todas las emociones, incluso a esas que provienen fuera de lo razonable.

Soy de aquellos que están en la afectación misma con la danza, creo que la danza libera el alma y todo lo inexplicable en palabras; si bien no soy de aquellos que respiran, huelen, comen, sienten, y hasta se anexan en la vida solo pensando en la danza como único principio de la vida, lo que si hago es tomar las palabras de Mary Wygman, “si yo tuviera palabras para decir lo que expresan mis danzas, no tendría razón para bailar”.

Es en la expresión dónde el ballet tiene su carencia, pues éste es tan mimético, que casi se vuelve un poco anecdótico. Anécdota en la cual entra en juego solo el uso del cuerpo, de vestidos y utilería majestuosa, casi gloriosa en su magnitud y belleza estética, pero que carece de carácter en la grandeza que podría tener si hiciese uso del alma como dice Noverre; grandeza poseería si en verdad jugara con la riqueza de poner a disposición las emociones, las reales emociones, las que construyen, las que se dan, las que se viven y no las que se cree estar viviendo, o las que hago que pareciera que estoy viviendo por medio de gestos miméticos. Si fuese más que solo eso, el ballet dejaría de ser tan precario.

Leía entre las líneas de Noverre que este hombre proponía que el ballet dejase de ser mimético, y no utilizara el cuerpo como elemento solo de gestos; el bailarín debiese utilizar su cuerpo como elementos de gestos, pero desde el alma, dando un sentido de profundidad a la acción, adquiriendo el corazón una fuerza como motor que envuelve, el alma, la razón y lo corporal. Escribo estas líneas porque Noverre en sus escritos y muchos en la vivencia actual de la danza, hemos querido hacer del cuerpo más que una herramienta plástica y tomar el cuerpo como una célula, con la viveza que esta posee y la conciencia que ésta adquiere. Sabemos que el cuerpo es la herramienta del bailarín y el bailarín es la herramienta activa del coreógrafo, pero en ballet, se hace uso del cuerpo como un material de gestos, en el cual solo se es cuerpo; se realiza un trabajo demasiado superficial. El cuerpo es en el ballet un material que se maneja solo por medio de movimientos que ya están estipulados para el desarrollo de la danza, que en su gratitud se han vuelto un lenguaje universal, siendo tecnificado. Técnica de la cual he disfrutado el goce de aprenderla. La danza clásica es una técnica y formación escénica que nos ha ayudado a todos aquellos que pertenecemos y hemos trabajado la danza desde la perspectiva que la queramos visualizar, pero, no deja de carecer en poder, en simpleza y primordialmente de alma; del uso del alma, solo posee virtuosismo. Aquí mismo recuerdo que ya antes había dicho, que no erré, y no solo yo había pensado esto, sino que el mismo Noverre lo había escrito.

Bien lo señalaba Noverre cuando decía que el ballet como puesta en escena es una pintura, la cual podríamos ver en dos versiones distintas pero siempre estaremos en presencia de un algo similar, puesto que los bailarines ejecutan la misma secuencia de movimientos, así como si viéramos una pintura dos veces. Y también lo exponía en que pasara el tiempo que pasara, la obra coreográfica siempre terminaba siendo similar, puesto que el texto del cuerpo ya estaba definido. Pero aquí yo me detengo, creo que jamás algo sería igual a otro, y mucho menos en la danza, pues el espacio, el tiempo y la energía, son cualidades que varían según ellas mismas; sea esto en el ballet o en la danza moderna. Por lo cual ya teniendo conciencia de los trabajos de Laban me atrevo a decir que fuese el tiempo que fuese, la danza jamás sería tan igual la pintura, pues hoy sabemos que la existencia de estas virtudes de la danza, nos dejan envueltos en la vivencia de cada instante, es decir, que cada instante adquiere fuerza y poder por si mismo, sin lograr jamás llegar a ser una puesta en escena igual a otra; podrán ser similares, pero jamás iguales. Los gestos si están marcados en el ballet, en la secuencia de movimientos, pero las expresiones jamás llegarán a ser la misma que ayer.

Quizás como cuadro estético o pictórico funciona de manera similar. Pues ambos son trabajos demasiado representativos. Bien Noverre solo hace comparaciones con la pintura de sus años de vida, en los que él pudo ver aquellos bosquejos y trabajos de hombres de su época, en la cual aún no existían corrientes artísticas como los que hoy podemos ver, y que quizás dentro de su vanguardia nos prestan emociones diversas cada vez que se ven.

Yo diría que existe un punto positivo para el ballet, pues posee la capacidad de recrear desde su simpleza y su virtuosismo, pero continúa con la pobreza del uso del alma, refiriéndome a la conexión del bailarín con su personaje, a la afectación misma, la cual le daría mucho poder. Carece de un uso de expresión en la cual el bailarín realmente se sienta afectado por sus personajes y no que el personaje termine siendo representado por un títere que trata de hacer como si sufriera o se alegrara y en verdad no está más que pensando en el gesto y desplazando la emoción del momento; no así la danza moderna o contemporánea, como la queramos llamar, pues ésta si posee una vivencia y que la vuelve más rica, pues la expresión, está siempre ligada al aquí, al ahora, es decir, se funde en el tiempo y en el espacio, tomando las cualidades energéticas que cada bailarín necesite o que el coreógrafo haya pedido al bailarín para encontrar lo deseado. En esta danza si se viven los instantes. En el ballet todo es tan gestual y marcad, tan cotidiano al representar que se vuelca a ser como una obra de teatro en la cual se desarrolla con potencia los movimientos simples, cotidianos, por sobre la manifestación plena del cuerpo, salir de él, para llegar a él mismo. Si bien, lo expuesto por Noverre es un algo que ha progresado hasta hoy, creo que las falencias en el ballet continúan hasta hoy, no con la magnitud que Noverre la presenta, pero de que está, está, y si así no fuese, crea ud. aquí no estaría escrito.

Y el espectador, pues a éste, hay que trasladarlo hasta la escena misma, creando en él una reflexión conmovedora, que lo ayude a descubrir y crear junto a los integrantes de la obra un precepto, que ayude a todos en un común a descubrir horizontes dentro de ella, ideas que conjuguen en un valor positivo hacia el crecimiento del ballet, caminar juntos de la mano, para llegar a un crecimiento optimo de la danza en general. “La mayoría de los compositores sacrifican las bellezas de la danza y abandonan las gracias ingenuas del sentimiento para ceñirse a la copia servil de cierto número de figuras repetidas ante el público”.

“Un ballet bien compuesto, es una pintura viva de pasiones”, “La mayoría de los temas que se tratan en la danza carecen de sentido”. Tomo esta cita, para lo siguiente:

Quisiera aquí también referirme a la danza actual, al marco en que se nos ha presentado hoy en día, la evolución de ella; y la forma que en la cual ésta se ha dispuesto en Chile. Hago desde aquí una comparación entre el ballet que al señor Noverre se le ha dispuesto presenciar en su vida, también al ballet que yo he presenciado y la danza que hoy hemos presenciado en Chile. Me parece sumamente interesante la presentación de diversas temáticas en la danza Chilena, en la cual se nos ha dado a luz la señal de poder construir desde esta diversificación de temáticas que poseen fuerza en su contenido y expresión. Detonando el gran cambio entre la danza del tiempo de Noverre y la de hoy, logrando esta gran trasformación en ella; dejando a disposición en ella un gran valor de parte de todos los que tienen el agrado de encontrarse con ella en la vida, porque cada vivencia con la danza es un encuentro, y que maravillosos encuentros son.

Sigo considerando que el ballet de la época de Noverre y el ballet actual, mantienen las falencias que aquel hombre se presto a redactar y que yo veo al ir a ver ballet en la actualidad. Y desde aquí hago la comparación del ballet con la danza de la cual hoy somos testigos en Chile, me refiero a Chile, porque es mi país y es lo que más conozco; también podría hablar de composiciones que salgan de mi frontera, pero éste no será el caso, solo quiero referirme a aquellos que conozco con profundidad, aquellos que podría defender con plena confianza. Comparo el ballet con composiciones de Patricio Bunster, Colectivo de arte La Vitrina, Ricardo Palma, Cía. Movimiento y Cía. Danza en Cruz. Estos han hecho de sus trabajos, textos ricos en la dramaturgia, puesto que han adquirido fuerza en sus danzas por la diversidad de temáticas y por el contenido de éstas, lo cual me parece positivo para la construcción de nuestra danza, pues ellos han considerado para su trabajo temáticas sociales y políticas; las cuales han ayudado a dar fortaleza a la danza y al trabajo como tal, dando valor a desarrollo de ésta. Sacando a la danza del contexto de trabajo superficial, para llevarlo a un trabajo noble de dedicación y de fuerza; primordialmente por su aporte cultural, artístico y por sobretodo a la conciencia histórica nacional. Por lo cual considero que se ha llevado a escena un trabajo más potente ala hora de decir algo, pues sus manifestaciones son claras y apuestan a contenidos que van más allá de emociones básicas, sino que juegan en ellas con temáticas, con el ingenio que al ballet falta y pro sobretodo por el interés que estas danzas pueden causar. En la cual creo que ha formado un lenguaje prometedor y por sobretodo decidor; y me enorgullece saber que mi país posee estas grandes representaciones de la vida misma y de ella en la danza. Hoy en chile si tenemos una danza viva de pasiones. Es decir, lo que falta al ballet, aquí está, nuestra danza lo presenta con muy buenos expositores. Bien decía Noverre, “la danza embellecida por el sentimiento y guiada por el genio, recibirá en fin, junto con los elogios y los aplausos que toda Europa conceda a la poesía y a la pintura la recompensa gloriosa con que se les honra”. Desde aquí también tomo la idea de que los plausos que el espectador brinda, deben ser el motivador para que el creador abra la mente y se entregue alas emociones y desarrolle en su trabajo ideas profundas, con contenido maravillosos, que nos envuelva en el arte glorioso que es la danza, por ser el arte más complejo y completo según mi persona, cuando este si se sabe hacer, sin descuidar nada. Pues la expresión vivaz, el juego de diversas energías, la temática profunda y los textos bien delineados, son el alma del cual Noverre nos hablaba; Y bien, dicho todo esto, reafirmo el pensar, no erré; y no solo yo había pensado esto, sino que el mismo Noverre lo había escrito.

Guillermo Becar Ayala

Cartas Sobre la danza Y Sobre el ballet
JEAN GEORGES NOVERRE

magiaAustral

2008-01-29T12:21:00.000-08:00

Bueno, mi participación

Magia austral en acción!

...Sirenos...

Carlos rivas, como Mar!

Selknam a la espera de la partida en una nueva función

mi primer Selknam

mi segundo Selknam, compañero en Antofagasta

La bella PINCOYA y la ballena

un Selknam rudo

Pecados Absueltos

2007-12-13T14:04:00.000-08:00

“Libres de todo pecado para descansar en paz, para emprender el largo viaje”.
Ellos quieren llegar a dios, hacer llegar a dios a los demás, y así librarse de todo pecado para vivir y descansar en paz.

En ánimas de día claro todas las hermanas debían cumplir ciertos deseos para dejar de ser ánimas y poder emprender el largo viaje hacia el cielo. Fuera absurdo o no el deseo que debiesen concretar, me pareció súper interesante el rescatar de aquella obra la idea del cumplir deseos. Esos deseos que hoy nos mueven como personas en esta construcción social, a la cual debemos responder y en la cual debemos querer ser alguien para formar parte de este gran bloque. Pues con dicho tema quise trabajar la composición que emprendí desde agosto de este año, pero la vida es increíble y por algunos motivos varios, debí desprenderme del grupo que me acogía y emprendí un nuevo rumbo. Esta vez estaba solo y me propuse componer un trabajo que hablara del cumplimiento de ciertos rituales religiosos, por medios de los cuales se logran desprender de los pecados, para así realizar el viaje al cielo y poder descansar en paz.
La mayoría de la gente cree o sueña con algún espacio más allá de la vida, de lo terrenal; Un espacio en el cual todos descansaremos y viviremos en paz. Para llegar a eso, según animas de día claro debemos cumplir todos nuestros deseos terrenales, y según la religión católica debemos ser absueltos de nuestros pecados para lograr de esta forma llegar a Dios y vivir en la eternidad; entrar al paraíso y descansar en paz. Ese ha sido el tema que he desarrollado en mi actual composición, y no lo he hecho a modo de juzgar estos actos rituales del catolicismo, ni de cualquiera religión que vivencie rituales de la misma convicción o similar. Sino que solo he estudiado ese sacramento del católico y lo he trazado en mi danza.
He realizado una composición en la cual están en acción 5 intérpretes, de los cuales uno es músico, el cual también danza junto a los 4 interpretes en danza. Todos (los 5), somos sacerdotes, los cuales estamos en medio de un ritual de purificación de nuestras almas, para así ayudar a una persona que desea ser absuelta de sus pecados y poder morir en paz, para así llegar al paraíso. Esta finalmente será ungida del perdón y podrá morir e ir en su viaje al paraíso.
Aquí conjugo, deseo con pecados y la absolución de los pecados con el cumplimiento de los deseos, así ya concretado todo esto, todos pueden ir en su viaje a la vida más allá de lo terrenal.
Agradezco la interpretación y buena disposición de mis compañeros: Luis Acevedo, Álvaro González y Roberto Rojas. Muy agradecido también de Camilo Lara, nuestro 5º intérprete y músico. A todos gracias por su canto, su danza y su tiempo.

Diciembre 2007, Guillermo Becar Ayala, Pecados Absueltos.

Huele a mujer en cada rincón, "Desde la otra orilla", Nelsón Avilés, Colectivo de arte La Vitrina.

2007-12-08T12:36:00.000-08:00

Desde un principio la sintonía comienza a desplazarse en la atmósfera, me he juntado con mujeres, solo con mujeres, una de éstas ha invitado a su novio para participar al igual que nosotros como espectador y debido a eso me he tenido que disponer a esperar bastante tiempo, tuve la intuición de que el hombre se atrasaría y que ella querría que la acompañáramos hasta su llegada a la estación. Son las así las relaciones de pareja, siempre hay alguien que espera más que el otro, siempre a uno le toca esperar, y esta vez le toco a esta mujer. Acaso no es la mujer quien históricamente se presta a la compañía del hombre, a la espera de la acción varonil, es ella quien espera en la inconstancia del varón. Estuve a pocos minutos de llegar tarde a la función, pero no fue así, finalmente el hombre llegó. Corrí con ellas y él hasta llegar al lugar donde sería la función, nos demoramos, pues no solo tuve que esperar a este novio atrasado, sino que también debí observar como ellas se dedicaban a ver hasta la más mínima y nueva aparición a su vista, contemplaban como si tuvieran el tiempo para resolver cada cosa que se les manifestara. A pesar de ir al filo del tiempo.

Corrí y ya estando en San Ignacio 1631, miro alrededor de mi persona y el público que espera la función es mayoritariamente mujer, Pocos son los hombres que se divisan. Es éste un arte del que disfrutan las mujeres ó son las mujeres quienes más se prestan a cosas fueras del que hacer cotidiano. Si, definitivamente son ellas quienes se prestan a estas vivencias, son ellas quienes se detienen al arte del contemplar, del tiempo al tiempo, de las vivencias extra programáticas, de lo que ya no está condicionado; dedican tiempo a beneficiar el placer personal por sobre lo cotidiano, lo regular del diario vivir. Aunque hay hombres que también lo hacen, pero pareciese son minoría.

Mujeres, acaso no fue mujer la que nos recibió en la puerta. Claro, fue una de ellas quien preguntó si me encontraba en la lista. Soy hombre y a veces un poco irresponsable, no queriendo generalizar al hombre como irresponsable, se que somos varios, pero no todos, pero no me daré más vuelta he iré donde quiero llegar, y donde quiero llegar es a que la mujer es quien prevee todo esto; y cómo lo confirmé, mis amigas si habían reservado. La mujer ha explorado en espacios que solo ella ha prestado atención, pues se las dedica por esta especie de intuición, “intuición femenina” que llaman ellas. A ellas no hay duda que las asalte sin tener algo de ésta ya casi resuelta, eso mismo les entrega seguridad, relajo, optimismo y orden. Uno debiese entregar tiempo a la admiración, es ese el mejor espacio, pues uno se entrega a un algo que nos impacta, pues este que contemplamos se nos vuelve sublime ante la vida, ante el instante en que gozamos de la presencia de este. Es el mundo donde quería llegar, la Contemplación.

Vamos apagando los celulares, entrando por el pasillo, voy ansioso a ver que prepara la vitrina esta vez, que es lo que en esta ocasión se nos propone a los ojos del que ve la danza; esa acción que está en el cuerpo del que fue objeto de aquel hombre que tuvo la idea en mente y la trazó en las damas que esta vez se nos presentan “Desde la otra orilla”.

En el recorrido a la sala en que está todo dispuesto para la función, hay montes cubiertos de nailon. Antes de llegar al espacio de la danza me he fijado en lo que se esconde bajo esos naílones, no puedo dejar de maravillarme con estos inmensos cerros de conservas, estas cajas con material de limpieza; esos frutos y útiles me envuelven sin cesar la vacilación. Claramente me han traído a un lugar que me somete en la magia de las cosas simples, esta magia que te envuelve en la soberanía del buen consumidor, del que anhela cuanto alimento ahí está o bien del que se encanta al ver tantas cosas similares puesta en una gran formación en el lugar menos esperado; un pasillo a la sala de danza. Está ahí todo bien ordenado, como lo hubiesen hecho unas dedicadas mujeres. Quizás éstas no lo hicieron, pero claramente nuestras imágenes pueden viajar a la despensa de nuestros hogares. Esas que están arregladas por la madre o la nana, siempre una mujer; porque creo que son las mujeres las más dedicadas. Y el que quiera debatir a mi formulación, que lo haga, pero no ahora, pues ahora tengo libre espacio para dejarme volar y explorar en la sensación que quizás pudo producir esta experiencia en aquel pasillo.

Entro a la obra y veo a estas seis mujeres entrar al espacio, cada cual desde su orilla, perfectamente ordenadas. Veo sus miradas y en ellas veo un cúmulo de nostalgia, de admiración, de goce; Jamás festivo, pero si contemplativo. El punto que he abordado, la contemplación, lo he querido abordar desde la admiración que esta conlleva, desde esta situación intensa que provoca, desde la religiosa que puede llegar a ser como experiencia. Y he visto que esta se desenvuelve en las miradas, son éstas mismas las que ayudan a creer que hay un algo que estas mujeres analizan, que conjugan en su vida y contemplan. Si vuelvo hasta aquel momento en que estoy frente a estas mujeres, solo puedo recordar esto que aquí señalo, son miradas y posiciones de brazos lo que más recuerdo; pero lo que más me marcaba eran los ojos, y no todos los que ahí había, sino solo algunos. Dudo que todas las que ahí estaban se entregaran fiel y cien por ciento al momento, porque solo la interpretación de algunas me llegó a conectar. Pero esos algunos fueron suficientes para ver que en algo del imaginar del coreógrafo estaba la idea de contemplación. Y claramente lo encontré, en miradas impresas en momentos tangibles. Veo aquí a mujeres en espacios cotidianos y otros muy lejanos a esta ciudad en que hoy vivimos, veo colinas, a veces mar y en algún instante pude ver espacios muy íntimos; espacios compartidos y a veces otros que olían a invitación.

En estos instantes es cuando veo esta dedicación que la mujer brinda a cosas que están ahí y que creemos no vemos por la fiebre natural del hombre, esa que nos tiene condicionados a producir y no a vivir. Quizás un juicio de valor que hago a la vida, pero que no deja de ser mi propia teoría del porque no somos capaces de abrir los ojos a mirar cosas tan inmensas que se nos presentan en la vida como si fuesen tan insignificantes. No es acaso el valle, las montañas, el mar; la tierra y el agua misma, los que nos hacen disfrutar, cuando los vemos y dedicamos a ellos nos hacen gozar de estos como si fuesen el más delicioso manjar que la vida nos puede obsequiar. Y rara vez sentimos la grandeza de aquello.

Desde dónde puedo hacer conexión con lo anteriormente hablado, los nexos los encontré simplemente en lo femenino que se me viene a la mente en cosas tan pequeñas que a veces somos incapaces de ver y que la mujer si hace notar. Pues el pensamiento machista dice, la mujer siempre quiere ver donde hay nada que ver. Pero la llena de sabiduría por su constante búsqueda en la riqueza de su vivir, ella siempre busca respuestas, o mas que eso, siempre se dedica a vivir gozando de cada entrega que el planeta nos da por diminuta que sea.

Veo como se desarrolla la obra y no puedo dejar de creer en que el coreógrafo ha tomado su propia visión femenina desde el hombre para desarrollar la contemplación a aquellos espacios de la vida. Pues hablando con él he logrado ver que si es lo que pensé y que su idea radicaba en ver aquellos espacios que muy pocas veces nos volcamos a ver. Pues es lo más notorio en la obra, es la primordial lectura que podemos dar como espectador a esta obra presentada, pues si no fuese este el objetivo no se que es lo que debiese ver. Me pongo a pensar y creo que no es otra cosa sino la contemplación lo que puedo ver. Y si esta no estuviese ahí quiere decir que no comprendí o que el compositor no me supo decir.

Pasa que la obra es demasiado abstracta y a veces me pregunto que pasa con la gente que no entiende esta abstracción del artista, se va pensando en que es un incapaz de comprender la idea del otro y que este arte simplemente no está hecho para ser visto por él. Pues muchas veces me quedé con la sensación de no poder comprender y es ahí cuando creo que toma más valor una danza más concreta por sobre la vanguardia que nos sumerge en ideas locas que son solo la abstracción de algo que pudo ser más legible para cierto público.

Pero vuelvo a lo mío y en ello he hablado de la mujer que espera, de aquella que busca, de aquella que anhela y la que trabaja; y como no, si en la contemplación existe todo lo antes mencionado. Y claramente esta actividad se vuelve un tanto religiosa, una actividad un tanto ritual. Y esto lo vemos en la forma que las mujeres entran al espacio, en la repetición de algunos movimientos marcados, y la posición de sus brazos, en la mirada, en la búsqueda de un algo, en la respuesta de otras.

Si, la mujer dedica tiempo y he dado ejemplos tan cotidianos, como el trabajo del hogar o del orden de la mujer, como también la espera a un novio. Pues creo yo que la constancia de la mujer en esto vuelve en mi esta imagen como un ritual dentro de la relación de pareja, dentro de la vida, dentro de la mujer que espera, que anhela, que se presenta con tiempo para las cosas a las cuales a veces no queremos dedicar por individualistas que nos volvemos y dejamos al olvido cosas tan inmensas y enriquecedoras.

Esta entrega es la que a la mujer entrega seguridad, relajo, orden y optimismo. Esto se ve en la muestra y se ve en como las mujeres están dispuestas a la vivencia del espacio y de la experiencia subjetiva que se da en la obra dispuesta por el colectivo, y en la vida en si.

Por qué mujeres las interpretes, porque son muchas, porque son un reflejo de la dedicación y disposición; escuché decir que era porque ellas eran mayoría en ese entonces en el colectivo y que hoy se retoma como homenaje, pero sin duda, para mi experiencia subjetiva con el trabajo de Avilés, creo que sin duda debiese ser por lo fiel que puede llegar a ser la mujer con estos rituales ya no vigentes y tampoco hago odio sordo a la idea de que son mujeres porque eran el material dispuesto para el colectivo en ese entonces. La contemplación no es un don del hombre contemporáneo; cuesta encontrar instancias que nos brinden este beneficio del vivir, peor el que la busca la encontrará y se podrá dedicar a ella.

Digo huele a mujer en cada rincón, puesto que son éstas las que me han estado en la obra, las que se me vienen a la mente en cada experiencia subjetiva que he tendido para con esta obra, con este momento compartido con la vitrina.

Hoy contemplo el accionar de la mujer y la idea que creo podría haber sido trabajada por el autor. O quizás, desde lo más profundo, solo indago en mi propia idea de lo comprendido en mi relación con “Desde la otra orilla”. Porque fue así como lo viví, oliendo a mujeres en cada rincón.

agrego que todo lo que pueda haber escrito en este, puede ser modificado en mi pensar si vuelvo a ver la obra o si m presto nuevamente a analizar, pues todo lo que uno cree y piensa está en constante variación.

Ensayo de Guillermo Becar A, "Huele a mujer en cada rincón"-por la obra-"Desde la otra orilla", de Nelsón Avilés, Colectivo de arte La Vitrina.Profesor guía: Mª José Cifuentes

Te siento,Trabajo Experimental

2007-11-28T15:24:00.000-08:00

Cuatro semanas atrás me propuse activar mi pretendida mente decoreógrafo, dispuesta a realizar una nueva composición, en la cual trazaría imágenes y vivencias que se habían sumergido al mar de ideas que contuve en mí.
Hace 6 meses atrás, presencie un acto de la vida que podría haber sidodevastador, transformado solo en un relámpago de relajo para mi, un instante en el cual, la vida se venía en paz, con aires de nostalgia, intervalo del cual no logro desafectarme hasta hoy; cuando aun creo que me quedan restos de dicho dolor.
A la suerte de esto, no solo deambulaba en dolor y nostalgia, sinoque también un dejo de tranquilidad, algo de angustia; emociones e imágenes que a veces se hilvanan en penas que no refuto.

Cuando lo pensé, me propuse algo que pueda o no conmover alespectador, una obra que no necesariamente cumpla objetivos de hacerafectarse al otro con la misma emoción que el hablante–intérprete-posee.

Quisiera entregar a todo aquel que la vea, esa misma tranquilidad vivenciada por mí. Quiero que todos que se presten a ver, se sometan a sentir, lo quelogren sentir; quiero que aquellos que se aburren de las cosas simples, aquí se puedan aburrir, aquellos que gozan de estos temas que lo puedan disfrutar y que aquellos que detestan estas situaciones, comprendan todo desde su estampa del ser siempre el antagonista de la situación, el espectador que todos quieren que no esté; yo quiero que ahí esté. Todo lo que tenemos propuesto decir lo diremos, y el que viva esta situación lo podrá hacer desde su propia visión con absoluta libertad.

Dejo aquí al intérprete ir más allá de mis pensares, dejo espacios solo para él; en los cuales pueda dejar fluir todas sus emociones y conjugarlas con las peticiones que yo he hecho. He trazado el espacio y los acontecimientos, pero el como llegar a ellos emocionalmente es solo un trabajo del interprete, he dicho como lo quiero pero el como resultará es un trabajo en conjunto. El intérprete también verá el como llegar al otro habitante de este espacio, al otro participante, al otro que hoy es solo cuerpo, recuerdos que están en mí.

Quiero que el que vaya a interpretar se haga su propia historia, con sus motivadores, para así jugar con la verdad, desde su verdad y no con lo que yo siempre deseo obtener. Todo es resultado de mi trabajo, más el de los intérpretes mediado por sus propias emociones en juego.

Dejo un espacio para la improvisación, en el cual podrán desarrollar la vivencia del aquí y el ahora, porque nada vuelve a ser como en algún momento lo fue; porque cada presentación de de esta obra será diversa en su debido momento-como todo lo es en la vida-.

Dejo espacio al silencio, porque quiero que la música no noscondicione, y por sobretodo quiero que sea solo el cuerpo el que hable, el que de pie para esta comunicación no verbal, quiero que todo se desenvuelva solo con el uso del lenguaje corporal.

Dejo las ideas principales y las emociones que hemos compartido solopara nosotros, puesto que es la esencia y el secreto de nuestraconvivencia.

Las ideas para la exposición están ahí, trazadas en la creación y lasideas para llegar a ella, están en nosotros, con estricto recelo, parapermanecer en la conexión.

En el cuerpo de un hombre he trazado la imagen viva de aquella mujerque vi perder; En el cuerpo de una mujer he trazado a aquel hombre que partió.

"En tu silencio; en mi dolor, mi amor y mi nostalgia...te digo adiós"

Doy aquí las gracias a Carlos Rivas por entregarse a mi locura, a mi idea, a mi trabajo. Quisiera expresar mi alegría para con él, mi cariño por él; por su desempeño dentro de este trabajo. Él ha sido quien ha entregado el todo de si, su energía y su afectación, ha sido quien ha sido más que cuerpo y más que virtuosismo, se ha entregado a la idea de hacer danza desde las emociones y desde la simpleza, desde la mirada del espectador desde la visión de un loco enamorado de lo que hace, de la conjugación de emociones convergentes. Ha sido un hombre muy emotivo, muy sensato y sincero.

Doy las gracias también a Rayen Pojomovsky por dar un si a esta propuesta, por romper con el carácter de solo moverse y entregar su cuerpo como materia de trabajo; el cuerpo estático también comunica.

Guillermo Becar Ayala

Cantata Santa María de Iquique, ballet Pucará

2007-11-24T08:23:00.000-08:00

Participar de la reposición de una obra tan importante para el folclórico nacional, folclore moderno o folclore con contenido como lo ha denominado Mª José Cifuentes en sus escritos, me ha significado un desafío súper importante y un crecimiento personal valioso, puesto que he aprendido considerablemente del desempeño de Ricardo Palma y sus composiciones coreográficas. Y no solo de eso, sino que he aprendido de tal mensaje social que su obra manifiesta por medio de la danza.
Tampoco quisiera olvidar la interpretación musical, y no olvido debido a que la música quien primero se trazó por medio del señor Luis Advis, quien dejara a Ricardo montar en escena esta gran obra junto a su danza.

La imagen en la Cantata Santa María de Iquique es otro hecho tangible que me parece sólido en la puesta en escena, debido a que posee imágenes muy claras, está llena de fotografías, de momentos culmines que se desarrollan con un buen diseño para visualizar.

Lo más importante, es que la Cantata Santa María de Iquique, responde a una identidad nacional, a una manifestación artística que se desenvuelve con carácter. Nos ayuda a mantener en el recuerdo un acontecimiento histórico que no nos puede estar ajeno, ya que gracias a ellos hoy tenemos una mayor conciencia social y mantenemos viva nuestra historia. Y no solo eso, sino que hasta hoy somos testigos del movimiento obrero, el cual perdura, hecho absolutamente destacable y que no debe acabar; porque siempre que nos manifestamos por un objetivo, debemos ser perseverantes.
Si la danza y la música ayudan a expandir nuestra historia, creo que hay que saber utilizar dicho material.

Otro punto que no quisiera dejar, es que me parece que la puesta en escena de la Cantata Santa María de Iquique, es tan contingente y que no solo responde al contexto histórico de la época en que estos hechos fueron enmarcados en la historia nacional, sino que hay ahí un tema tan vigente, como el abuso hacia los obreros, el maltrato, los bajos salarios y la muerte injustificada, debido a eso la obra me parece absolutamente constructiva.

Me parece que la puesta en escena también responde a la evolución de los espacios marcados para hacer danza, ya que si el día de hoy presentáramos la cantata en una plaza o en un espacio abierto cualquiera, tendría tanto peso como en un escenario convencional.

A modo muy personal, el participar de esta obra ha sido un gesto maravilloso de la vida, y así lo denomino, ya que por medio de esta obra que he llegado a tomar este lazo tan potente que he desarrollado con la danza, ha sido por medio de esta obra como me he involucrado con la danza. A mis trece años vi por primera vez la Cantata Santa María de Iquique, en un ensayo del Ballet Pucará, en donde mi hermana participaba, fue ahí el instante en el cual me maravillé con tan célebre representación que a mi niñez se presentaba. A esa edad, logré comprender el gran mensaje social que la obra manifestaba, fue esta tan buena redactora que sube comprender; la expresión que ahí existía era y es hoy también capaz de envolver en un contexto a cada espectador. Es difícil no entrar en el estado emocional de la Cantata, así como pensé que le puede haber pasar a los interpretes de la danza de Patricio Bunster, específicamente en su obra A pesar de todo. Sentado en una banca de plaza brasil, conversaba con una mujer, y hablábamos de lo difícil que resulta no entrar en el estado de afectación que estas dos obras llevan y en las cuales el intérprete se ve involucrado. Y como espectador te envuelve con su expresionismo y con su musicalidad, pues es sólida la atmósfera que se logra con su conjugación entre danza y música; música que por lo cierto son obras musicales chilenas y de muy grandes compositores (orgulloso de ellas). Recuerdo también con esto que acabo de escribir, esas largas conversaciones que teníamos con Ricardo, en las cuales él hacía mención a todos aquellos con los que el había aprendido a lo largo de su caminar en la danza, siempre hablando de la disciplina de sus horas de trabajo con Utoff, disciplina que adoptó para él. Habló y habla mucho de Patricio Bunster, hombre del cual yo escuchaba hablar desde mucho antes de entrar a su escuela, un gran maestro a quién tuve el agrado de conocer y ser alumno de él en la escuela de danza de la U.A.H.C. siempre hablando de su gran aprendizaje con Víctor Jara, de Joan Turner, de Héctor Pavez, Gabriela Pizarro, Violeta Parra, Margot Loyola, en tantos otros.
También escuchaba hablar de intérpretes que pasaron por el Ballet Pucará como Valentina Pavez, quien fue mi profesora en la escuela de danza de la U.A.H.C, Ezequiel Gómez, quien antes de pasar por el centro de danza espiral y luego participar del colectivo de arte la vitrina, fuera integrante del Ballet Pucará, y nos acompañara como interprete en la reposición de esta obra en el periodo del año 2006 y 2007. No quisiera olvidar a mis compañeros actuales, de los cuales también he aprendido muchísimo, tanto de ellos como de Ricardo, no olvido a Giannina Canessa, Andrea Huerta, Vicenta Pavez, Rayen Pojomovsky, Francisco Zelada y Alejandro Núñez entre tantos otros.

Lo más importante es que gracias a esta obra y a lo aprendido con Ricardo Palma, me he empapado de danza y hoy estoy dentro de ella, como un estudiante más que prepara su camino bajo el alero de experiencias con importantes maestros.

Guillermo Becar Ayala